Eraserhead





TITULO ORIGINAL: Eraserhead
AÑO: 1976
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch
MÚSICA: Peter Ivers
FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes (B&W)
REPARTO: John Nance, Charlotte Stewart,
Allen Joseph, Jeanne Bates, Judith Anna Roberts
PRODUCTORA: David Lynch
The American Film Institute for Advanced Film Studies



La película no presenta una trama convencional y la historia se desarrolla ambiguamente entre lo real y lo fantástico. Fue filmada en blanco y negro, en un sórdido entorno de decadencia industrial, alrededor del personaje de Henry Spencer (incorporado por Jack Nance), un hombre nervioso y enigmático que trabaja en una imprenta y dice estar de vacaciones. Henry se reencuentra con Mary X, su ex novia, quien le invita cenar en casa con sus padres. Henry se entera entonces de que ella ha dado a luz a un grotesco ser después de un parto anormal, situación por la cual se ve obligado a casarse. A partir de ese momento, la pareja debe cuidar a la anormal criatura, hasta que Mary, cansada del incesante llanto del crío, decide abandonar la casa. Henry queda al cuidado del ser hasta que finalmente decide deshacerse de él.


La película fue filmada a lo largo de seis años, debido a que nadie se interesó por financiar el proyecto. Lynch aprovechó la ayuda dada por el American filme institute de Los Angeles, lugar donde desarrollaba sus estudios de cinematografía, para financiar la película, sin embargo este dinero resultó insuficiente, por lo que tuvo que recurrir a familiares y amigos, como Jack Fisk, su amigo de la infancia, quien estaba casado con la actriz Sissy Spacek. Ambos le ayudaron a financiar la película. Lynch llama a la película su "Historia de Filadelfia" refiriéndose al hecho de que quiso reflejar los temores y la ansiedad que experimentó cuando vivió en dicha ciudad.




David Lynch hizo un film que tenía como objetivo ahondar en los temores de la persona, mostrando a través de su delirio surrealista todas las obsesiones que se generan en el subconsciente de cada uno de nosotros. Nunca volví a ver una película tan impactante. Completamente reveladora para mí, ya que hasta ese entonces había seguido una línea cinéfila, sin alejarme de las películas "con argumento”. Ensordecedora, abrumadora por momentos, te envuelve en una atmósfera escalofriante y fuera de lo que perceptivamente asociamos a la "realidad".


Más información:


5 comentarios:

Les Quatre Cents Coups

Los cuatrocientos golpes. (Les quatre cents coups)
País: Francia. 1958. 97 min. B/N.
Director: François Truffaut.
Guión: François Truffaut y Marcel Moussy.
Fotografía: Henri Decae.
Música: Jean Constantin.



Intérpretes:

Jean-Pierre Léaud (Antoine Doinel), Albert Remy (Julien Doinel),
Claire Maurier (Gilberte Doinel), Guy Decomble (Profesor de francés),
Yvonne Claudie (Sra. Bigey), Pierre Repp (Profesor de inglés),
Patrick Auffay (René), Georges Flamant (Sr. Bigey),
Robert Beauvais (Director de la escuela), Jacques Monod (Policía),
Claude Mansard (juez), Jean-Claude Brialy (El conquistador),
Jeanne Moreau (La joven del perro)






Magistral película de François Truffaut, que prácticamente abrió con ella «Nouvelle Vague», movimiento del cual iba a ser su más fiel exponente. Con este primer largometraje, ganó el gran premio al mejor Director en el Festival de Cannes 1959. Dedicado a la memoria de André Bazin -quien rescató de la cárcel a Truffaut y lo impulsaría como crítico en su Cahiers de Cinéma-, este film testimonial de la segunda posguerra europea posee cierto carácter autobiográfico y forma una simbiosis con el pequeño protagonista, Jean-Píerre Léaud, cuyo personaje continuaría en la obra de su autor (episodio de L'amour á vingt ans, Besos robados, Domicilio conyugal, La noche americana, L'amour en fuite, cuando este actor ya tenía 30 años). Fue rodado en escenarios naturales y con muy pocos medios, rompiendo el estilo del cine de «qualité» que imperaba en la Francia de aquel período.

Los niños y los adolescentes de Truffaut rondan su autobiografía. Siendo la Antonie Doinel su alter ego. Sus no son aceptados por la sociedad: no son antisociales, sino asociales... están al margen, pero no están en contra.

«Los cuatrocientos golpes, escribe Edmond Orts, es la crónica de una soledad y desamparo. La historia de un niño que palpa el sinsabor del olvido y que busca su propia identidad en el instinto de la libertad. François Truffaut, que comprendió como pocos cineastas lo que ha hecho el sentido de la frustración en la niñez, descubre con fino talento cinematográfico la psicología del desarraigo que anida en el entrañable personaje central de esa dura narración.»

Más información:

1 comentario:

Jules y Jim

“Yo sólo funciono por sensaciones, por cosas ya comprobadas.
Es por esto que mis films están llenos de recuerdos de juventud."
(Françoise Truffau)


TITULO ORIGINAL: Jules et Jim
AÑO: 1961
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: François Truffaut
GUIÓN: François Truffaut & Jean Gruault (Novela: Henri Pierre Roché)
MÚSICA: Georges Delerue
FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard (B&W)
REPARTO: Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre, Marie Dubois, Vanna Urbino, Sabine Haudepin, Boris Bassiak, Kate Noelle, Anny Nielse
PRODUCTORA: Les Films du Carrosse


Dos artistas, el austriaco Jules y el francés Jim, están enamorados de la misma mujer, Catherine, desde hace 20 años. La amistad entre ambos artistas se inicia en Montparnasse en 1907. Más tarde, durante un viaje a Viena, conocerán a Catherine y será Jules quién primero se enamore de ella, para terminar casándose y teniendo juntos una niña. Finalizada la guerra, Jim vuelve para saludar a sus amigos y Catherine

lo recibe radiante, con su hija de cuatro años. Es entonces cuando Jim comprende que las cosas no van bien en el matrimonio. Catherine termina convirtiéndose en la amante de Jim y deseando tener un hijo con él que lleve su nombre.

Memorable historia de Truffauat sobre tres personas enamoradas y de la manera en que los años afectan ese sentimiento y la relación entre ellos. Esta conmovedora historia, sobre la amistad sin condiciones y del amor incontrolable, conforma un filme de una particular belleza y encanto. Definitivamente, una obra maestra del cine.


2 comentarios:

La dolce vita

Cartel publicitario de La Dolce Vita



Federico Fellini y Marcello Mastroianni





TÍTULO: La Dolce Vita
DIRECCIÓN: Federico Fellini
GUIÓN: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano
FOTOGRAFÍA: Otello Martelli
ESCENOGRAFÍA: Piero Gherardi
VESTUARIO: Piero Gherardi
MÚSICA: Nino Rota
MONTAJE: Leo Catozzo
PRODUCCIÓN: Giuseppe Amato
PAÍS:Italia
AÑO:1960
DURACIÓN: 173’

PERSONAJES Y ACTORES:
Marcello Rubini: Marcello Mastroianni
Maddalena: Anouk Aimée
Emma: Yvonne Fourneaux
Sylvia: Anita Ekberg
Steiner: Alain Cuny




Anita Ekberg y Marcelo Mastroianni


Roma, años 60. Marcello Rubini (Marcello Mastroianni) es un periodista del corazón inmerso en la vida nocturna romana y en el artificioso mundo de la burguesía y los personajes del show business, como la actriz Sylvia (Anita Ekberg).

No cabe decir que gran parte de la obra cinematográfica de Federico Fellini es una fantasiosa amalgama de recuerdos, imágenes o pensamientos que el propio autor ha vivido o trazado desde su genial óptica humanista y poética. En esta ocasión su original capacidad de imaginería se une a una vítrea carga sarcástica contra gran parte de la sociedad romana de la época, siendo su esencial punto de mira la comunidad aristócrata y la gente del espectáculo contemplada bajo la cínica mirada de un vividor periodista del corazón representado con la habitual magnificencia interpretativa de Marcello Mastroianni.

Fellini estructura la película de forma episódica atrapando con ingenio al espectador (a pesar de su extenso metraje) en este artificioso y bacanal viaje por la noche de la capital italiana acompañando a Marcello Rubini en sus contactos con un mundo noctámbulo repleto de superficiales y vacuos juegos festivos que fenecidos por la aurora caen despojados de sus lujosos disfraces y desguarnecidos sin su agridulce carpa circense.

Establece con ironía un retrato de diversos aspectos sociales como la religión, el hedonismo, la familia, el sexo, la juventud, el amor o el dinero desde una perspectiva crítica embebida de un humor satírico y perverso filmado con su habitual gusto por las escenas exuberantemente bulliciosas, empapadas de iconografías simbólicas en un conjunto de hondo pesimismo existencial.

Como casi cualquier otra película de Fellini (y esta no es una excepción), La dolce vita es un film difícil de resumir en unas pocas líneas. La película trata principalmente la vida nocturna y las juergas de los yuppies adinerados de la posguerra en Roma centrando la historia en un periodista romano que se mueve dentro de la alta sociedad italian . Con este film, Fellini demuestra que una película no necesita argumento en absoluto para convertirse en una obra maestra.

En conjunto es una película con una estructura brillante y muy regular y el ritmo no decae nunca gracias a la usual mezcla de Fellini entre fantasia y realidad.

Marcelo Mastroianni y Anita Ekberg
 en la famosa escena de La Fontana Di Trevi


Todo el film esta plagado de escenas antológicas (como la de La Fontana Di Trevi) y merece una mención especial, para cualquier amante o aprendiz de cine, el excelente uso de la cámara de Fellini, uno de los directores técnicamente mas dotados de la historia.

En el reparto sobresalen Marcelo Mastroianni y Anouk Aimee que bordan sus papeles y demuestran que son los mejores actores del cine italiano que existan o hayan existido. A destacar también la banda sonora de Nino Rota, colaborador habitual de Fellini.

En conclusión, es un film muy recomendable y uno de los mejores trabajos de este genial director y en general de la historia del cine, muy recomendable para cualquiera que le guste ver algo diferente a lo acostumbrado.



Más Información:
4 comentarios:

La gran ilusión

No es el resultado de un sondeo, sino un sentimiento personal:
JEAN RENOIR
es el cineasta más grande del mundo

 -Françoise Truffaut-




Ph: (izq a der) Pierre Fresnay y Erich von Stroheim


El contexto histórico es la Primera Guerra Mundial, una de las grandes obras maestras del cine de todos los tiempos, una obra monumental sobre la camaradería que retrata el día a día de unos prisioneros franceses en un campo de concentración alemán durante la Primera Guerra Mundial. Al campo llegan dos oficiales de la aviación francesa, y sus nuevos compañeros de celda les informan de que están cavando un túnel bajo tierra para poder escapar de allí.


Profundo análisis de las relaciones humanas bajo condiciones extraordinarias, el estudio sobre la diferencia de clases en tiempos de guerra provocó la ira del gobierno nazi y las críticas de los excombatientes franceses que veían inaceptable la idea de que la clase social fuese más importante que la patria.




* Título original: La Grande Illusion
* Director: Jean Renoir
* Guión: Jean Rendir - Charles Spaak
* Producción: Albert Pinkovich - Frank Rollmer
* Montaje: Marthe Huguet - Marguerite Rendir
* Música: Joseph Kosma
* Intérpretes: Julien Carette - Marcel Dalio - Jean Dasté -
Werner Florian - Pierre Fresnay - Jean Gabin - Sylvain Itkine - Gaston Modot -
Dita Parlo - Georges Péclet - Erich von Stroheim.
* Año: 1937
* Duración: 114 min



Sobre el director: Jean Renoir (Francia 1894-EE.UU. 1979)

Es el representante máximo del cine francés en los años de entreguerras. Matemático y filósofo, hijo del gran pintor impresionista Auguste Renoir y controvertido cineasta, logró construir una filmografía de gran valor universal, sustentada en un flujo constante de humanidad, realidad y poesía. Considerado uno de los más grandes artistas que haya conocido el cine, fue capaz de trabajar en todos los géneros sin sacrificar su individualidad ni doblegarse a los convencionalismos comerciales. Aunque la influencia de su padre fue decisiva para su formación artística, desarrolló una sensibilidad visual completamente propia y una gran habilidad técnica. Las contradicciones inherentes a la naturaleza humana constituyen el corazón de su obra fílmica



Más información:

¿Para qué sirve un campo de golf? Pues para jugar al golf. ¿Y el de tenis? Para jugar al tenis, pues un campo de prisioneros sirve ... para evadirse.
{ Pierre Fresnay en La Gran Ilusión }

2 comentarios:

Psicosis

"Si hubiera hecho la cenicienta,
el espectador buscaría un cadáver en la carroza"
(Alfred Hitchcock)


Psicosis es probablemente una de las mejores películas de terror de todos los tiempos. Y sin lugar a dudas, uno de los hitos de la técnica cinematográfica.

Son muchos los que piensan que Psicosis es la obra maestra de Alfred Hichtcock. Y es que, son pocas las películas que logran alcanzar un clímax de inquietud, espanto y terror equiparable al de Psicosis. Desde el primer hasta el último minuto te mantiene en suspenso, incómodo y tenso.

La película esta basada en la novela homónima de Robert Bloch. Dicha novela cuenta la historia de un psicópata asesino de Wisconsin llamado Edward Gein.

Por aquel tiempo Hichtcock tenía contrato en vigor con la Paramount Pictures. Pero cuando los responsables del estudio supieron que la película pretendía ser rodada en blanco y negro alegaron que no disponían de espacio en sus estudios. Pretendían de este modo que Hichtcock cambiara de planes. En respuesta, el director decidió alquilar los estudios de la Revue-Universal Studios donde venía realizando sus producciones para TV hasta entonces. Y así, a finales de noviembre de 1959 comenzó el rodaje.

Psicosis es una película que rompía con muchos convencionalismos establecidos hasta entonces. Y no sólo eso sino que marcó la pauta dentro del género de terror hasta el punto de ser considerada por muchos como su paradigma.



En la historia todo es inquietante. Desde el mismísimo comienzo se nos va dando a entender que algo horrible va a suceder... El poder de sugestión que consigue gracias a la música y a los efectos técnicos es sorprendente: la voz en off, los primeros planos del dinero y del ojo de Norman, las tomas cenitales de la señora Bates, los fundidos, la caída de Arbogast... Y es que, pocas películas pueden presumir de aglutinar tanta técnica cinematográfica.



La escena de la ducha, la más famosa del film y una de las más famosas de la historia del cine, requirió el trabajo de 7 días de rodaje. Tiempo después Hichtcock el director reveló que hizo los ensayos con agua caliente y luego, al momento de filmar, la cambió por agua fría, casi congelada. Sin que la actriz lo supiera, obviamente. La cámara llego a filmar desde 70 ángulos diferentes. Mención aparte merece el McGuffin, un invento cinematográfico de Hichtcock consistente en centrar la atención sobre una trama u objeto que en un primer momento parecen capitales para el desarrollo de la historia pero que luego se desvanecen con la consiguiente sorpresa por parte del espectador.

En cuanto a los actores, cabe destacar a Janet Leigh y a Martin Balsam, y especialmente a Anthony Perkins, que clava el papel a la perfección. Años después protagonizó la secuela del film, esta vez de la mano de Richard Franklin. Su personaje es inquietante desde el primer momento que aparece en pantalla...

Pues bien, a pesar de todo, Psicosis no logró ganar ni un solo Oscar. Recibió 4 nominaciones, entre otras a mejor director y a mejor actriz secundaria, pero no llegó a ganar nada. Casos como éste demuestran que los Oscars de Hollywood no son un factor del todo fiable a la hora de valorar una película. Que Psicosis no fuera ni siquiera nominada a mejor película... tiene delito. En cualquier caso, cabe señalar que compitió con otras películas míticas de la talla de El Apartamento, Los siete magníficos, Éxodo, El Álamo o Espartaco.

Un películón y una obra maestra que no envejece con el tiempo.

TÍTULO:
Psicosis
TÍTULO ORIGINAL:
Psycho
AÑO:
1960
DURACIÓN:
112 min.
NACIONALIDAD:
EE.UU.
GÉNERO:
Terror
REPARTO:
Anthony Perkins, Janet Leigh,
Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam
DIRECTOR:
Alfred Hitchcock
GUIÓN:
Robert Bloch, Joseph Stefano


[Marion Crane, que trabaja como empleada en una inmobiliaria, recibe el encargo de su jefe de ingresar en el banco cuarenta mil dólares. Marion está pasando por apuros económicos, y traicionando la confianza que en ella ha depositado su jefe, se escapa con el dinero. En su huida le sorprende una tormenta, y se detiene a pasar la noche en el motel que regenta Norman Bates, un joven aficionado a la taxidermina y con doble personalidad. . La joven es asesinada y su hermana Lila (Vera Miles) al igual que un investigador privado de la empresa emprenden una peligrosa búsqueda.]


"Ella se enloquece a veces.
Todos nos enloquecemos a veces. ¿Usted no?"

Más información:

2 comentarios:

À bout de souffle



"Sin este pequeño inmenso filme no se entendería nada del cine posterior"
(Ángel Fdez. Santos: Diario El País)





TITULO ORIGINAL: À bout de souffle
OTROS TÍTULOS: Al final de la escapada, Al filo de la escapada, Sin Aliento
AÑO: 1959
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Jean-Luc Godard
GUIÓN: Jean-Luc Godard (Argumento: François Truffaut)
REPARTO : Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Daniel Boulanger, Henri-Jacques Huet, Roger Hanin, Jean-Pierre Melville, Jean-Louis Richard, Claude Mansard, Jean-Luc Godar




À bout de souffle fue el primer largometraje del director francés Jean-Luc Godard, que con su estilo innovador y desafiante de montaje y fotografía inauguró el movimiento de la Nouvelle vague, que revolucionaría el cine francés. El guión es del propio Godard, con la colaboración de Truffaut, también colaboró Claude Chabrol.

Película de culto, muy apreciada en su momento por la crítica más avanzada, con el paso del tiempo confirma la solidez de los planteamientos de Godard, con una manera de narrar muy sugerente, y un uso del primer plano eficaz. La imitación del característico gesto de Michel/Belmondo en una conocida campaña publicitaria de una marca de vermut muestra la influencia que ha llegado a tener.




[ Michel Poiccard (Jean-Paul Belmondo) es un ex-figurante de cine admirador de Bogart que, tras robar un coche en Marsella, mata fortuitamente, con un revólver que encuentra en la guantera, a un motorista de la policía camino de París. Allí, tras robar dinero a una amiga, va en busca de Patricia (Jean Seberg), una joven burguesa americana, sin ningún remordimiento por lo que ha ocurrido en la carretera. Patricia es una aspirante a escritora que vende el New York Herald Tribune por los Campos Elíseos. Espera escribir en el periódico y matricularse en la Sorbona. En Europa parece haber hallado una libertad que no existe en América. Michel le propone que se vaya con él a Roma a lo que ella se niega. Después de la negativa, Michel va cobrar un cheque a su código postal. Entonces sabemos que la policía le busca por la muerte del motorista, y ahí comienza el principio del trágico desenlace del film ... ]



Datos del film:

  • Al principio del filme hay una dedicatoria a la Monogram Pictures, productora americana de filmes de serie B.
  • Godard dice: "Yo improviso, sin duda, pero con materiales que poseo desde hace tiempo. Durante años se reúnen cantidades de cosas y de pronto se las introduce en lo que se está haciendo".
1959:

  • Fue el estreno de "Los Cuatrocientos Golpes" de Françoise Truffau.
  • "Hiroshima, Mon Amour" de Alain Resnais.
  • "Rio Bravo" de Howards Hawnks.
  • "La Dolce Vita" de Federico Fellini.




Nunca volví a ver a un Belmondo tan a flor de piel como en este film y en Pierrot Le Fou, Jean Seberg volvería a desempeñar un papel imponente en Buenos Días Tristeza, y después una vida de excesos acabaría con su carrera llevándosela por sobredosis de pastillas. Una obra de arte de principio a fin, el gesto de Belmondo quedará indeleble en mi memoria, y en la memoria de todos inmortalizado tiempo después por aquella marca de martini. Este film de culto es mi favorito, y Godard es un genio anticipado a su época.


3 comentarios:

Casablanca

“Hay valores por los que merece la pena hacer sacrificios”


Así define el guionista Howard Koch la esencia de una película. El paso de los años se revela anecdótico en historias que, como ésta, no han sido concebidas para definir una época, sino para estremecer el corazón del hombre. Casablanca es un clásico sencillamente porque lo que en ella está en juego –ese puñado de valores de los que habla Koch- siempre interesa, y atrae, y emociona. Y si la historia del Rick’s Café Américain vino a convertirse en el paradigma del romanticismo, no es menos cierto que desde su alumbramiento allá en 1942 quedó también inventada una nueva terapia contra la desesperación, una medicina que conviene recetarse cuando perdemos algo de eso que podemos denominar confianza en la condición humana. Es el mito hecho celuloide, jamás volverá a la pantalla una actuación tan fría y pasional a la vez como la del grandioso Humphrey Bogart o la calidez y sensualidad de la rubia explosiva, Ingrid Bergman. Por todos estos condimentos plagados de sentimentalismo, política, épocas y pasiones, Casablanca, pasa a ser uno de mis filmes románticos favoritos ...





TITULO ORIGINAL: Casablanca
AÑO: 1942
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: Michael Curtiz.
GUIÓN: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch (Play: Murray Burnett & Joan Alison)
MÚSICA: Max Steiner.
FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson (B&W).
REPARTO: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, Dooley Wilson, S.Z. Sakall, Madeleine LeBeau, Joy Page, John Qualen.
PRODUCTORA: Warner Bros. Productor: Hal B. Wallis.



Durante la Segunda Guerra Mundial Rick Blaine (Humphrey Bogart), un exiliado americano por oscuras causas que no se desvelan a lo largo del film, regenta el local nocturno más popular de Casablanca el Rick´s Café. El cínico y solitario Rick consigue gracias a la muerte de Ugarte dos salvoconductos para abandonar el Marruecos de la "Francia no ocupada", de la Francia de Vichy.

Llega entretanto a Casablanca el mayor alemán Heinrich Strasser (Conrad Veidt), al cual el jefe de la policía, el capitán Renault (Claude Rains), complace de todas las formas posibles, incluso deteniendo a un líder de la resistencia checa Victor Lazlo (Paul Henreid), que llega a Casablanca acompañado de Ilsa (Ingrid Bergman), una antigua amante de Rick que le abandonó en París sin dar explicaciones. Rick sigue resentido con ella, aunque cambia de actitud al conocer el motivo por el cual se marchó de su lado. Aparentemente, ambos se reconcilian y ya juntos, Rick convence a Ilsa para salir de Casablanca utilizando los salvoconductos que tiene Rick. Al mismo tiempo, Rick convence al capitán Renault de que va a escapar con Ilsa y dejará a Lazlo en tierra para que lo detenga la Gestapo. Sin embargo, y dado el cambio de actitud de Rick, en un acto de heroísmo, permite que Lazlo e Ilsa vayan a América a continuar con la labor de resistencia al otro lado del Atlántico, aunque para ello deba disparar al mayor Strasser, amnenazar a Renault y sobre todo,perder a Ilsa.


" El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos. "



1 comentario:

Cinema Show

Como había comentado en "uploads" anteriores, mi blog es un contraste entre las diferentes ramas del arte, a pesar de que por el momento solo me haya detenido a escribir sobre rock.

Entonces, haciendo honores a las líneas que escribo más arriba, a partir del día de la fecha, y hasta cuanto abarque la jornada, he decidido recapitular las películas que me han cambiado la perecepción del cine. Algunas clásicas, otras no tanto, algunas contemporáneas y otras más viejas. Pasando por los más variados géneros. Líneas como Godard, Fellini, Hitchcock, Kubrick, Ava Gardner, Charles Chaplin, Jean Paul Belmondo, Ewan McGregor, entre otros nombres de actores y directores que se puedan imaginar serán moneda corriente a la hora de entrar a este espacio.

Espero contar con sus opiniones, votaciones, críticas y hasta sugerencias acerca de este especial de cine al que se va a abocar mi blog durante un tiempo.
Gracias a todos los que visitan asiduamente este espacio y permiten su crecimiento a diario.

Y como no podía ser de otra manera, corono esta entrada con una joya auditiva, producto de una de las bandas más importantes de rock progresivo de nuestro país

[ Películas (Qué se puede hacer salvo ver) ]

* La Máquina de Hacer Pájaros *

Ella es una actriz,
se seca y mira el mar, se viste de plata,
nadie la viene a buscar,
no espera que toquen el timbre
se monta en un convertible
y se va, ya verán.
Que se puede hacer salvo ver películas,
sueño con la actriz que se seca y mira el mar,
mi corazón es de ella,
mi mente está en las estrellas.
Sobre la T.V. se duermen mis dos gatos
salgo a caminar para matar el rato
y de pronto yo la veo entre los autos
justo cuando la luz roja cierra el paso
me acercaré al convertible
le diré: "quiero ser libre, llévame, por favor"
Que se puede hacer salvo ver películas.


No hay comentarios:
Suscribirse a: Entradas (Atom)