One Flew Over the Cuckoo's Nest





Alguien voló sobre el nido del cuco o Atrapado sin salida (según el país) es una película basada en la novela One Flew Over the Cuckoo's Nest de Ken Kesey. La película, dirigida por Miloš Forman cuenta con excelentes interpretaciones de Jack Nicholson y Louise Fletcher.

El título de ambas, "Alguien voló sobre el nido del cuco", es una mala traducción del original en inglés. La frase viene de una rima que recuerda el Jefe Bromden en su estancia en el manicomio. Su abuela decía: "Uno voló hacia el este, uno voló hacia el oeste, y uno voló sobre el nido del cuco", significando que cada cual es dueño de seguir su destino en diferentes direcciones de las de los demás.


Título: Atrapado sin salida
Título Original: One flew over the cuckoo's nest
Año:1975
Reparto: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Sampson, William Redfield, Michael Berryman, Peter Brocco, Danni DeVito.
Dirección: Milos Forman
Guión: Bo Goldman, Lawrence Hauben, Ken Kesey (novela)
Fotografía: Haskell Wexler
Música: Jack Nitzsche
Edición: Sheldon Kahn y Lynzee Klingman
Color: 133 mins.


Luc Besson (director de Nikita y El Profesional) reconoce que cuando vio “Atrapado sin salida”, supo que quería ser cineasta.

A lo largo de la historia de los premios de la Academia, sólo tres películas han conseguido un Oscar en las célebres categorías de mejor actor, mejor actriz, mejor guión (adaptado), mejor película y mejor director: “Sucedió una anoche” (1934), de Frank Capra; “Atrapado sin salida” (1975), de Milos Forman; y “El silencio de los inocentes” (1991), de Jonathan Demme. La extraordinaria interpretación de Jack Nicholson se tradujo en su primer Oscar como mejor actor.


McMurphy (Jack Nicholson) es acusado de violar a una menor de edad, y cumple una larga condena en prisión, decide fingir locura para apaciguar los ánimos y logra que lo trasladen a una institución siquiátrica. Allí se da cuenta que no apaciguará los ánimos y advierte que sus nuevos compañeros son unos seres sometidos que han olvidado su identidad, que han vuelto a ser niños por la fuerza. McMurphy, el niño rebelde, pone en duda el sistema y la enfermedad mental de los pacientes. Motiva a los resignados hombres a reclamar sus derechos y su independencia, frente a la rigidez de la enfermera Ratched (Louise Fletcher), ‘uno de los antagonistas más odiados en el cine’, una mujer solitaria ávida de pasión, que reta a McMurphy sin mesura.


Terapias de grupo, electroshock, medicamentos y lobotomías son algunas de las represalias utilizadas por la institución para controlarlos. El destino de los pacientes está en manos de ‘Cheaf’, ‘El Jefe’ (William Sampson), un indígena mudo que bien podría ser autista y McMurphy. Juntos, liberarán el espíritu recogido y se redimirán, volarán sobre el nido del cuco.



Michael Douglas leyó la novela cuando era joven y, desde entonces, mantuvo la obsesión de adaptarla. Su padre Kirk había comprado los derechos del libro y se los concedió dos años antes de producir la película, dirigida por Milos Forman. Ken Kesey, autor del libro, tomó el título de una canción infantil. En 1962, Kesey, se ofreció como voluntario para una investigación del gobierno con el propósito de determinar los efectos del LSD (ácido alucinógeno que se volvió muy común en los 70’s) y otras drogas que eran ilegales en ese entonces. Ken Kesey, además de escribir “Alguien voló sobre el nido del cuco” bajo los efectos del LSD, fue un ícono cultural durante los años 60 y 70. Se convirtió en el contacto entre la generación beat y hippie. Antes de huir a México, alcanzó a viajar con sus amigos en un bus sicodélico, promocionando la expansión que traían las drogas y propagando la liberación de los años 60.


El checoslovaco Milos Forman, huérfano de la segunda guerra mundial, también se obsesionó con la historia de Kesey y la llevó a la cumbre. Era su segunda película en Estados Unidos y el reconocimiento fue evidente. Es probable que haya pasado desapercibido con Hair (1979) y Ragtime (1981), pero en 1984 recuperó su fama y pulió su forma particular de adaptar la vida de significativos personajes con Amadeus. Después perfiló a Larry Flynt (El pueblo contra Larry Flynt - 1996), el polémico magnate del porno y Andy Kaufman (El hombre en la Luna - 1999), un comediante atrevido e innovador.



Atrapado sin salida es, sin duda, una película conmovedora y emocionante. Es una historia atemporal, que irá más allá de los años 70s. Así como Milos Forman tuvo que sobrellevar la represión de la segunda guerra mundial, su película, así como su cine, trasciende como una expresión de libertad.


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Mr. Mojo Risin (a 64 años de su nacimiento)


Jim Morrison (James Douglas Morrison) nació en Melbourne, Florida, EEUU, en 1943 y murió en París en 1971. Durante su infancia y su adolescencia vivió en diferentes ciudades y bases militares de Estados Unidos debido a los continuos traslados de su padre, que era militar. Luego de estudiar cine en Los Ángeles se dedicó a la que fue su primera y constante vocación artística: la poesía.

Como cantante de The Doors se convirtió en el símbolo de la rebeldía de la Costa Oeste estadounidense a comienzos de los setenta. Lector apasionado de Rimbaud, Artaud, Nietzsche y William Blake, tras repetidos procesos judiciales por drogadicción, abandonó la música para dedicarse a escribir y se radicó en París. Al poco tiempo, el 3 de julio de 1971, fue encontrado muerto en la bañera de su departamento.



Jim Morrison tenía un alto coeficiente intelectual: 149. Este coeficiente se reflejaba en el tipo de libros que leía: Iban desde las obras completas de Nietzsche hasta autores como Huxley, Kerouac, Baudelaire y Rimbaud. Los profesores de la universidad charlaban tendidamente con Jim sobre libros de este tipo, y algunos en declaraciones a los autores de la biografía de Jim definieron esas charlas como: "parecía como si él mismo hubiera escrito esos libros, la mayoría de los otros alumnos no llegaban a comprenderlos como él".



Cuenta la historia, que un día como hoy, pero de 1943, el mundo daba a luz una de las mentes más brillantes de la música y la poesía contemporánea. Hace exactamente 64 años nacía el prócer del sexo apocalíptico, el shamán electrizante, un indaptado que creaba caos donde quiera que vayas, su presencia significaba una bomba para cualquier mortal corriente que se cruzara a su paso.

Este ídolo al que muchos hemos acuñado como religión fue James Douglas Morrison. Hoy al cumplirse un año más de tu nacimiento, tus seguidores agradecemos tu legado de poesía y música, plagado de imágenes medievales, exuberantes y mágicas. Viviste al límite, explorando los confines del exceso, para demostrar que una persona es dueña de sus actos y que la vida se debe vivir pensando en que mañana puede ser el último día con los pies en este puñado de desgraciada tierra.

Quizá no nos alcance la vida para descifrar la mente de este hombre, pero de lo que sí estamos seguros es el Lizard King, nos ha abierto las puertas de nuestra percepción, obligándonos a retomar un camino, a ser amante de las artes y de las ciencias, a reexplorar nuestras mentes y replantear incluso nuestras vidas…


GRACIAS JAMES DOUGLAS MORRISON
por haber trascendido generaciones, y por haber encendido la llama a miles de jóvenes que hasta hoy rezamos las plegarias de tu infinita poesía…




Momentos memorables de Jim Morrison:

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El Resplandor


El resplandor es una película de 1980 dirigida por Stanley Kubrick (La Naranja Mecánica).

Basada en la novela homónima de Stephen King, es considerada la película maldita de Stanley Kubrick. Además de la tensión sobrehumana a la que sometió a todos los actores y el incendio del set de decorados del hotel Overlook -que pospuso el rodaje varias semanas-, en España se unió a esta serie de infortunios una reducción del metraje de la versión europea, impuesta por el propio Kubrick tras comprobar el fracaso comercial que estaba sufriendo en EEUU, y un pésimo doblaje que el tiempo ha hecho famoso.


TITULO ORIGINAL: The Shining
AÑO: 1980
DURACIÓN: 146 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Stanley Kubrick
GUIÓN: Stanley Kubrick & Diane Johnson (Novela: Stephen King)
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: John Alcott
REPARTO:

Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers,
Barry Nelson, Philip Stone, Joe Turkel, Lia Beldman,
Billie Gibson, Barry Denne, David Baxt, Manning Redwood,
Kisa Burns, Louise Burns, Alison Coleridge, Norman Gay


Sinopsis:

Jack Torrance es contratado para mantener el hotel Overlook durante los meses de invierno en los que permanece vacío. Junto a su hijo Danny, que tiene un extraño poder de premonición llamado "esplendor", y su mujer Wendy, se trasladan al hotel, situado en medio de la nada. Pero con la llegada de la nieve, la carretera que les comunica con la ciudad más cercana es cortada, y en medio del aislamiento unos terroríficos poderes empiezan a desatarse en las habitaciones del hotel y en la mente del propio Jack, que irán trastornándolo hasta convertirlo en un psicópata. Al final acabará muerto en el laberinto, totalmente congelado y Wendy y Danny lograrán escapar.


Stephen King y su opinión sobre 'El Resplandor' de Kubrick

''Me parece recordar haber descrito El resplandor como un coche grande y hermoso pero carente de motor en su interior. Es un film que tiene todos los tipos de estilo y es vistoso. Lo puedo ver cualquier día, creo que es maravilloso para ser visto, pero es una película... Stanley Kubrick quería hacer un film de horror he hizo El resplandor, y lo que yo sentí fue que había hecho un film sobre el vacío total, sin entender las bases del género.

(...) Es el error de un hombre que está tan seguro de que es incapaz de cometer un error que eligió hacer una película de un género que no comprende. Cometió un error que es fundamental, pero no se puede explicar a alguien por qué está equivocado tanto si sabe que está equivocado como si no lo sabe.

Traté por todos los medios de que la Warner y Stanley no contrataran a Jack Nicholson como actor. Ellos hablaron de Jack Nicholson desde el principio. Creo que Jack Nicholson es un actor excelente y creo que hizo todo lo que Stanley le pidió en la película e hizo un trabajo tremendo, pero es un hombre que roza la locura.

(...) Yo quería que contrataran a Michael Moriarty o a Jon Voight. No quisieron. No fue negociable''.





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A Clockwork Orange


La naranja mecánica (1972) es la adaptación al cine de la novela homónima de 1962 de Anthony Burgess. La adaptación fue producida, escrita y dirigida por Stanley Kubrick. Presenta a Malcolm McDowell como el carismático delincuente Alex. El filme presenta una banda sonora realizada por Wendy Carlos.


El filme de Kubrick es relativamente fiel a la novela de Burgess, omitiendo al final, un capítulo positivo en el cual Alex madura y se desprende de lo sociópata. La película termina con el ofrecimiento a Alex de un trabajo en el gobierno, implicándo que Alex se mantiene sociópata; mientras que la novela termina con el positivo cambio de Alex. Esta discrepancia ocurre porque Kubrick basó el guión en la edición norteamericana del libro, cuyo capítulo final fue borrado por insistencia del editor. Kubrick dijo que no había leído la versión original de la novela hasta que ya casi había terminado de escribir el guión y que nunca había considerado usar ese capítulo. En la introducción de la edición de 1996 de novela, se lee que Kubrick encontró el final de la edición inglesa muy blando, optimista y poco realista.




LA NARANJA MECÁNICA

Título original: A Clockwork Orange

Año: 1972

Con: Malcolm McDowell - Patrick Magee - Adrienne Corry - Miriam Karlin
Guión de Stanley Kubrick
Basada en la novela de Anthony Burgess
Producida y dirigida por Stanley Kubrick
Productores Ejecutivos Max L Raab y Si Litvinoff Warner Bros. Una compañía Time Warner Entertainment



Sinopsis:

En una futurista Gran Bretaña, Alex y sus drugos, una banda de jóvenes delincuentes, salen cada noche para disfrutar de la 'vieja ultraviolencia' y saciar su apetito sexual violando a indefensas mujeres. A razón de un pequeño problema dentro de la banda, Alex es traicionado por sus drugos y dejado a merced de la policía, la cual lo lleva a una prisión de alta seguridad donde Alex tiene que pasar una larga temporada. Pero un día se le presenta la oportunidad de acortar su estancia presentándose como voluntario a la nueva 'terapia de aversión', con la que se asegura que después de dos semanas la maldad ya no existirá dentro de su ser. Y así es. Es tal la 'terapia de aversión' que el pobre Alex, al menor signo de violencia siente nauseas y unas ganas terribles de morirse. Pero la sociedad no ha olvidado, y los muchos crímenes que cometió en su época dorada se cobrarán su venganza.


Temas que se destancan en el film


Moral: Una de las principales preguntas moralistas de la película -como en otros libros de Burgess- es la definición de "bondad". Después de la terapia de aversión, Alex se comporta como un buen miembro de la sociedad, pero no por opción; su bondad es involuntaria y mecánica, como lo dice el título de naranja mecánica. En prisión, el padre, el único hombre honesto y genuino allí, critica al Tratamiento Ludovico alegando que la verdadera bondad debe venir de adentro. Debe ser genuina.


Psicología : Otro tema central es el ultraje a la psicología conductual propuesta por los psicólogos John B. Watson y B.F. Skinner. Burgess desaprobaba el conductismo, llamando al libro más famoso de Skinner, Beyond Freedom and Dignity (Más Allá de la Libertad y la Dignidad), "uno de los libros más peligrosos jamás escrito". Aunque Watson concedía limitaciones al conductismo, Skinner argumentaba que la modificación de la conducta (aprender técnicas de recompensa sistemática y castigo) era la clave para un sociedad ideal. El tratamiento Ludovico es la forma de modificación de conducta que los científicos aplicaron a Alex, condicionándolo a asociar actos de violencia con malestar físico, previniéndolo de ser violento. La película incorpora una desconfianza al conductismo, enfocándose en la deshumanización y falta de opción en los métodos de modificación de conducta.






" Es curioso que los colores del mundo real solo
parecen verdaderos cuando los videamos en una pantalla"
Alex - A Clockwork Orange

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1,2 ... ultraviolento (8)

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Pierrot Le Fou




Pierrot le fou, es una película francesa de 1965 dirigida por Jean-Luc Godard, y protagonizada por Anna Karina y Jean-Paul Belmondo, basada en la novela de Lionel White.


Ferdinand Griffon, “Pierrot” (Jean-Paul Belmondo), intenta abandonar su vida aburrida en París escapando con Marianne Renoir (Anna Karina), una niñera contratada por su mujer (Graziella Galvani) que está siendo perseguida por unos asesinos.La línea de Godard, cada película que filma, se va haciendo más quebrada. Su idea fija de separar la narración literaria de la cinematográfica, en cierto modo aparece ya como una obsesión.

La investigación sobre una narrativa propia, desprovista de toda retórica, lo sitúa en una vanguardia extrema, –como si la innovación fuera lo imprescindible–, en la que unas veces acierta en lo que serán futuras pautas del lenguaje, y otras desvaría fuera de campo, destrozando lo que sus admirados clásicos (vanguardistas en su época) tanto esfuerzo habían empleado en consolidar.

Por fortuna el tiempo pone cada uno en su sitio, y una gran parte de los experimentos godardianos, –incluido el propio director– han quedado fuera la línea habitual del cine, eso si, permaneciendo en el mundo de los irrenunciables mitos de aquellos atrevidos, necesarios y revolucionarios años sesenta.

En “Pierrot el loco”, adapta una pequeña novela, con el único fin de demostrar la total diferencia e independencia de ambos lenguajes. Y realmente lo consigue.Trabajando sin guión, con su escuela anárquica en la realización, y con un argumento carente de interés, Godard logra la antítesis de la comunicación de sentimientos, de la expresión de ideas o al menos, del mero entretenimiento.

Apoyado en una estética descaradamente tomada de la pintura pop, logra un film visualmente correcto, aunque no le importe que sea intelectualmente vacío o incomprensible. El cine de Godard, visto con una cierta perspectiva, a partir de la locura de su Pierrot, se va a convertir en una serie de experimentos, entretenidos para su realizador y alucinantes para sus incondicionales.

Para el cine como arte, ya poco más, el enfant terrible había dicho todo lo que tenía que decir, y las repeticiones, cansan.

TITULO ORIGINAL: Pierrot le Fou
AÑO: 1965
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Jean-Luc Godard
GUIÓN: Jean-Luc Godard
MÚSICA: Antoine Duhamel
FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard
REPARTO: Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Dirk Sanders,
Jean-Pierre Lèaud, Raymond Devos, Graziella Galvani, Laszlo Szabo, Samuel Fuller
PRODUCTORA: Coproducción Francia-Italia

SINOPSIS:
Ferdinand Griffon, alias 'Pierrot' (Jean-Paul Belmondo), huye de París con Marianne (Anna Karina), la niñera a la que ha contratado su esposa (Graziella Galvani). La pareja se dirige al sur de Francia, pero el viaje se torna muy peligroso cuando les pisa los talones una banda de gángsters con los que Marianne está implicada.


Una película de necesarios multiples visionados (ya sea por gusto y fascinación, o por incompresión) y de muy escasas oportunidades de ser vista, ya que todavía no se encuentra editada en dvd, aunque se programa a menudo en cine-clubs o filmotecas y estuvo editada en vhs en versión original subtitulada. Pero ante todo “verdad a 24 fotogramas por segundo” al igual que la vida. Sin lugar a dudas el que la vea, jamás podrá olvidar la actuación de Belmondo y Anna Karina. Y Godard se convertirá en su semidios fílmico


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Modern Times


Tiempos Modernos es un largometraje de 1936 dirigido, escrito y protagonizado por el célebre actor Charles Chaplin. La película constituye un retrato de las condiciones desesperadas de empleo que la clase obrera tuvo que soportar en la época de la Gran depresión, condiciones promovidas, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. En la película también intervienen Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin. La película muestra escenas de corte futurista de la factoría en la que trabaja Charlot que podrían haber sido influenciadas por el film Metrópolis de Fritz Lang.

Tiempos modernos fue un filme a caballo entre el cine mudo y sonoro. Se incluyeron algunos efectos sonoros en la película, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Al final del film puede escucharse brevemente la voz de Charles Chaplin, que canta una versión de la canción de Léo Daniderff, Je cherche après Titine, pero con una letra sin sentido, conocida como "nonsense song", cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés.


Considerado como un ejemplo de filme de crítica social, el mismo Chaplin negó la relevancia que muchos han querido darle a su trabajo en este largometraje.

TITULO ORIGINAL: Modern Times
AÑO: 1936
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Charles Chaplin
GUIÓN: Charles Chaplin
MÚSICA: Charles Chaplin
FOTOGRAFÍA: Rollie Totheroh & Ira Morgan (B&W)
REPARTO: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman,
Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia
PRODUCTORA: United Artists

SINOPSIS:
Un obrero de la industria del acero acaba perdiendo la razón, extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje de su trabajo.
Después de pasar un tiempo en el hospital recuperándose, al salir es encarcelado por participar en una manifestación, en la que se encontraba por casualidad.
En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín por lo que gana su libertad. Una vez fuera de la cárcel reemprende la lucha por la supervivencia, lucha que compartirá con una joven huérfana que conoce en la calle.


Chaplin y Cherster Conklin


Charles Chaplin junto a su esposa Paulette Godard

Paulette Godard

[Este es un film de culto, un de mis favoritos de todos los expuestos hasta hora. Chaplin se anticipaba a la post "Gran Drepresión" que sufriría el proletariado en todo el mundo, a través de su simpatiquísimo personaje Charlot. Escenas de una magnificencia incomparable, como aquella en la que confunden al protagonista con un líder comunista, logrando en el espectador esa noción de color nunca antes lograda. Este es un mínimo ejemplo , por citar alguno, de la genilaidad del film y la óptica minimalista con la que Chaplin miró las problemáticas sociales de la época]

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Eraserhead





TITULO ORIGINAL: Eraserhead
AÑO: 1976
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch
MÚSICA: Peter Ivers
FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes (B&W)
REPARTO: John Nance, Charlotte Stewart,
Allen Joseph, Jeanne Bates, Judith Anna Roberts
PRODUCTORA: David Lynch
The American Film Institute for Advanced Film Studies



La película no presenta una trama convencional y la historia se desarrolla ambiguamente entre lo real y lo fantástico. Fue filmada en blanco y negro, en un sórdido entorno de decadencia industrial, alrededor del personaje de Henry Spencer (incorporado por Jack Nance), un hombre nervioso y enigmático que trabaja en una imprenta y dice estar de vacaciones. Henry se reencuentra con Mary X, su ex novia, quien le invita cenar en casa con sus padres. Henry se entera entonces de que ella ha dado a luz a un grotesco ser después de un parto anormal, situación por la cual se ve obligado a casarse. A partir de ese momento, la pareja debe cuidar a la anormal criatura, hasta que Mary, cansada del incesante llanto del crío, decide abandonar la casa. Henry queda al cuidado del ser hasta que finalmente decide deshacerse de él.


La película fue filmada a lo largo de seis años, debido a que nadie se interesó por financiar el proyecto. Lynch aprovechó la ayuda dada por el American filme institute de Los Angeles, lugar donde desarrollaba sus estudios de cinematografía, para financiar la película, sin embargo este dinero resultó insuficiente, por lo que tuvo que recurrir a familiares y amigos, como Jack Fisk, su amigo de la infancia, quien estaba casado con la actriz Sissy Spacek. Ambos le ayudaron a financiar la película. Lynch llama a la película su "Historia de Filadelfia" refiriéndose al hecho de que quiso reflejar los temores y la ansiedad que experimentó cuando vivió en dicha ciudad.




David Lynch hizo un film que tenía como objetivo ahondar en los temores de la persona, mostrando a través de su delirio surrealista todas las obsesiones que se generan en el subconsciente de cada uno de nosotros. Nunca volví a ver una película tan impactante. Completamente reveladora para mí, ya que hasta ese entonces había seguido una línea cinéfila, sin alejarme de las películas "con argumento”. Ensordecedora, abrumadora por momentos, te envuelve en una atmósfera escalofriante y fuera de lo que perceptivamente asociamos a la "realidad".


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Les Quatre Cents Coups

Los cuatrocientos golpes. (Les quatre cents coups)
País: Francia. 1958. 97 min. B/N.
Director: François Truffaut.
Guión: François Truffaut y Marcel Moussy.
Fotografía: Henri Decae.
Música: Jean Constantin.



Intérpretes:

Jean-Pierre Léaud (Antoine Doinel), Albert Remy (Julien Doinel),
Claire Maurier (Gilberte Doinel), Guy Decomble (Profesor de francés),
Yvonne Claudie (Sra. Bigey), Pierre Repp (Profesor de inglés),
Patrick Auffay (René), Georges Flamant (Sr. Bigey),
Robert Beauvais (Director de la escuela), Jacques Monod (Policía),
Claude Mansard (juez), Jean-Claude Brialy (El conquistador),
Jeanne Moreau (La joven del perro)






Magistral película de François Truffaut, que prácticamente abrió con ella «Nouvelle Vague», movimiento del cual iba a ser su más fiel exponente. Con este primer largometraje, ganó el gran premio al mejor Director en el Festival de Cannes 1959. Dedicado a la memoria de André Bazin -quien rescató de la cárcel a Truffaut y lo impulsaría como crítico en su Cahiers de Cinéma-, este film testimonial de la segunda posguerra europea posee cierto carácter autobiográfico y forma una simbiosis con el pequeño protagonista, Jean-Píerre Léaud, cuyo personaje continuaría en la obra de su autor (episodio de L'amour á vingt ans, Besos robados, Domicilio conyugal, La noche americana, L'amour en fuite, cuando este actor ya tenía 30 años). Fue rodado en escenarios naturales y con muy pocos medios, rompiendo el estilo del cine de «qualité» que imperaba en la Francia de aquel período.

Los niños y los adolescentes de Truffaut rondan su autobiografía. Siendo la Antonie Doinel su alter ego. Sus no son aceptados por la sociedad: no son antisociales, sino asociales... están al margen, pero no están en contra.

«Los cuatrocientos golpes, escribe Edmond Orts, es la crónica de una soledad y desamparo. La historia de un niño que palpa el sinsabor del olvido y que busca su propia identidad en el instinto de la libertad. François Truffaut, que comprendió como pocos cineastas lo que ha hecho el sentido de la frustración en la niñez, descubre con fino talento cinematográfico la psicología del desarraigo que anida en el entrañable personaje central de esa dura narración.»

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