☠ Apuntes desde un sótano ☠

One Flew Over the Cuckoo's Nest

2007-12-11T21:36:00.000-08:00

Alguien voló sobre el nido del cuco o Atrapado sin salida (según el país) es una película basada en la novela One Flew Over the Cuckoo's Nest de Ken Kesey. La película, dirigida por Miloš Forman cuenta con excelentes interpretaciones de Jack Nicholson y Louise Fletcher.

El título de ambas, "Alguien voló sobre el nido del cuco", es una mala traducción del original en inglés. La frase viene de una rima que recuerda el Jefe Bromden en su estancia en el manicomio. Su abuela decía: "Uno voló hacia el este, uno voló hacia el oeste, y uno voló sobre el nido del cuco", significando que cada cual es dueño de seguir su destino en diferentes direcciones de las de los demás.

Título: Atrapado sin salida
Título Original: One flew over the cuckoo's nest
Año:1975
Reparto: Jack Nicholson, Louise Fletcher, William Sampson, William Redfield, Michael Berryman, Peter Brocco, Danni DeVito.
Dirección: Milos Forman
Guión: Bo Goldman, Lawrence Hauben, Ken Kesey (novela)
Fotografía: Haskell Wexler
Música: Jack Nitzsche
Edición: Sheldon Kahn y Lynzee Klingman
Color: 133 mins.

Luc Besson (director de Nikita y El Profesional) reconoce que cuando vio “Atrapado sin salida”, supo que quería ser cineasta.

A lo largo de la historia de los premios de la Academia, sólo tres películas han conseguido un Oscar en las célebres categorías de mejor actor, mejor actriz, mejor guión (adaptado), mejor película y mejor director: “Sucedió una anoche” (1934), de Frank Capra; “Atrapado sin salida” (1975), de Milos Forman; y “El silencio de los inocentes” (1991), de Jonathan Demme. La extraordinaria interpretación de Jack Nicholson se tradujo en su primer Oscar como mejor actor.

McMurphy (Jack Nicholson) es acusado de violar a una menor de edad, y cumple una larga condena en prisión, decide fingir locura para apaciguar los ánimos y logra que lo trasladen a una institución siquiátrica. Allí se da cuenta que no apaciguará los ánimos y advierte que sus nuevos compañeros son unos seres sometidos que han olvidado su identidad, que han vuelto a ser niños por la fuerza. McMurphy, el niño rebelde, pone en duda el sistema y la enfermedad mental de los pacientes. Motiva a los resignados hombres a reclamar sus derechos y su independencia, frente a la rigidez de la enfermera Ratched (Louise Fletcher), ‘uno de los antagonistas más odiados en el cine’, una mujer solitaria ávida de pasión, que reta a McMurphy sin mesura.

Terapias de grupo, electroshock, medicamentos y lobotomías son algunas de las represalias utilizadas por la institución para controlarlos. El destino de los pacientes está en manos de ‘Cheaf’, ‘El Jefe’ (William Sampson), un indígena mudo que bien podría ser autista y McMurphy. Juntos, liberarán el espíritu recogido y se redimirán, volarán sobre el nido del cuco.

Michael Douglas leyó la novela cuando era joven y, desde entonces, mantuvo la obsesión de adaptarla. Su padre Kirk había comprado los derechos del libro y se los concedió dos años antes de producir la película, dirigida por Milos Forman. Ken Kesey, autor del libro, tomó el título de una canción infantil. En 1962, Kesey, se ofreció como voluntario para una investigación del gobierno con el propósito de determinar los efectos del LSD (ácido alucinógeno que se volvió muy común en los 70’s) y otras drogas que eran ilegales en ese entonces. Ken Kesey, además de escribir “Alguien voló sobre el nido del cuco” bajo los efectos del LSD, fue un ícono cultural durante los años 60 y 70. Se convirtió en el contacto entre la generación beat y hippie. Antes de huir a México, alcanzó a viajar con sus amigos en un bus sicodélico, promocionando la expansión que traían las drogas y propagando la liberación de los años 60.

El checoslovaco Milos Forman, huérfano de la segunda guerra mundial, también se obsesionó con la historia de Kesey y la llevó a la cumbre. Era su segunda película en Estados Unidos y el reconocimiento fue evidente. Es probable que haya pasado desapercibido con Hair (1979) y Ragtime (1981), pero en 1984 recuperó su fama y pulió su forma particular de adaptar la vida de significativos personajes con Amadeus. Después perfiló a Larry Flynt (El pueblo contra Larry Flynt - 1996), el polémico magnate del porno y Andy Kaufman (El hombre en la Luna - 1999), un comediante atrevido e innovador.

Atrapado sin salida es, sin duda, una película conmovedora y emocionante. Es una historia atemporal, que irá más allá de los años 70s. Así como Milos Forman tuvo que sobrellevar la represión de la segunda guerra mundial, su película, así como su cine, trasciende como una expresión de libertad.

Más información:

Videos:

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=5WJgQ37JmFc
Great Movie Scenes 15 of 50 - One Flew Over the Cuckoos Nest http://www.youtube.com/watch?v=syPZZxxFCe0&feature=related

Mr. Mojo Risin (a 64 años de su nacimiento)

2007-12-08T08:40:00.000-08:00

Jim Morrison (James Douglas Morrison) nació en Melbourne, Florida, EEUU, en 1943 y murió en París en 1971. Durante su infancia y su adolescencia vivió en diferentes ciudades y bases militares de Estados Unidos debido a los continuos traslados de su padre, que era militar. Luego de estudiar cine en Los Ángeles se dedicó a la que fue su primera y constante vocación artística: la poesía.

Como cantante de The Doors se convirtió en el símbolo de la rebeldía de la Costa Oeste estadounidense a comienzos de los setenta. Lector apasionado de Rimbaud, Artaud, Nietzsche y William Blake, tras repetidos procesos judiciales por drogadicción, abandonó la música para dedicarse a escribir y se radicó en París. Al poco tiempo, el 3 de julio de 1971, fue encontrado muerto en la bañera de su departamento.

Jim Morrison tenía un alto coeficiente intelectual: 149. Este coeficiente se reflejaba en el tipo de libros que leía: Iban desde las obras completas de Nietzsche hasta autores como Huxley, Kerouac, Baudelaire y Rimbaud. Los profesores de la universidad charlaban tendidamente con Jim sobre libros de este tipo, y algunos en declaraciones a los autores de la biografía de Jim definieron esas charlas como: "parecía como si él mismo hubiera escrito esos libros, la mayoría de los otros alumnos no llegaban a comprenderlos como él".

Cuenta la historia, que un día como hoy, pero de 1943, el mundo daba a luz una de las mentes más brillantes de la música y la poesía contemporánea. Hace exactamente 64 años nacía el prócer del sexo apocalíptico, el shamán electrizante, un indaptado que creaba caos donde quiera que vayas, su presencia significaba una bomba para cualquier mortal corriente que se cruzara a su paso.

Este ídolo al que muchos hemos acuñado como religión fue James Douglas Morrison. Hoy al cumplirse un año más de tu nacimiento, tus seguidores agradecemos tu legado de poesía y música, plagado de imágenes medievales, exuberantes y mágicas. Viviste al límite, explorando los confines del exceso, para demostrar que una persona es dueña de sus actos y que la vida se debe vivir pensando en que mañana puede ser el último día con los pies en este puñado de desgraciada tierra.

Quizá no nos alcance la vida para descifrar la mente de este hombre, pero de lo que sí estamos seguros es el Lizard King, nos ha abierto las puertas de nuestra percepción, obligándonos a retomar un camino, a ser amante de las artes y de las ciencias, a reexplorar nuestras mentes y replantear incluso nuestras vidas…

GRACIAS JAMES DOUGLAS MORRISON
por haber trascendido generaciones, y por haber encendido la llama a miles de jóvenes que hasta hoy rezamos las plegarias de tu infinita poesía…

Momentos memorables de Jim Morrison:

- http://www.youtube.com/watch?v=PECk9A-07P
  (The Doors - Touch Me)
- http://www.youtube.com/watch?v=tah0OnS3nBU
  (The Doors - Break On Through)
- http://www.youtube.com/watch?v=nv_skDV7TOE
- (Jim Morrison on VH1's 100 Most Shocking Moments)
Fotolog: http://www.fotolog.com/lizard_queennnn

El Resplandor

2007-12-03T08:17:00.000-08:00

El resplandor es una película de 1980 dirigida por Stanley Kubrick (La Naranja Mecánica).

Basada en la novela homónima de Stephen King, es considerada la película maldita de Stanley Kubrick. Además de la tensión sobrehumana a la que sometió a todos los actores y el incendio del set de decorados del hotel Overlook -que pospuso el rodaje varias semanas-, en España se unió a esta serie de infortunios una reducción del metraje de la versión europea, impuesta por el propio Kubrick tras comprobar el fracaso comercial que estaba sufriendo en EEUU, y un pésimo doblaje que el tiempo ha hecho famoso.

TITULO ORIGINAL: The Shining
AÑO: 1980
DURACIÓN: 146 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Stanley Kubrick
GUIÓN: Stanley Kubrick & Diane Johnson (Novela: Stephen King)
MÚSICA: Varios
FOTOGRAFÍA: John Alcott
REPARTO:

Jack Nicholson, Shelley Duvall, Danny Lloyd, Scatman Crothers,
Barry Nelson, Philip Stone, Joe Turkel, Lia Beldman,
Billie Gibson, Barry Denne, David Baxt, Manning Redwood,
Kisa Burns, Louise Burns, Alison Coleridge, Norman Gay

Sinopsis:

Jack Torrance es contratado para mantener el hotel Overlook durante los meses de invierno en los que permanece vacío. Junto a su hijo Danny, que tiene un extraño poder de premonición llamado "esplendor", y su mujer Wendy, se trasladan al hotel, situado en medio de la nada. Pero con la llegada de la nieve, la carretera que les comunica con la ciudad más cercana es cortada, y en medio del aislamiento unos terroríficos poderes empiezan a desatarse en las habitaciones del hotel y en la mente del propio Jack, que irán trastornándolo hasta convertirlo en un psicópata. Al final acabará muerto en el laberinto, totalmente congelado y Wendy y Danny lograrán escapar.

Stephen King y su opinión sobre 'El Resplandor' de Kubrick

''Me parece recordar haber descrito El resplandor como un coche grande y hermoso pero carente de motor en su interior. Es un film que tiene todos los tipos de estilo y es vistoso. Lo puedo ver cualquier día, creo que es maravilloso para ser visto, pero es una película... Stanley Kubrick quería hacer un film de horror he hizo El resplandor, y lo que yo sentí fue que había hecho un film sobre el vacío total, sin entender las bases del género.

(...) Es el error de un hombre que está tan seguro de que es incapaz de cometer un error que eligió hacer una película de un género que no comprende. Cometió un error que es fundamental, pero no se puede explicar a alguien por qué está equivocado tanto si sabe que está equivocado como si no lo sabe.

Traté por todos los medios de que la Warner y Stanley no contrataran a Jack Nicholson como actor. Ellos hablaron de Jack Nicholson desde el principio. Creo que Jack Nicholson es un actor excelente y creo que hizo todo lo que Stanley le pidió en la película e hizo un trabajo tremendo, pero es un hombre que roza la locura.

(...) Yo quería que contrataran a Michael Moriarty o a Jon Voight. No quisieron. No fue negociable''.

Más información:

http://www.apocatastasis.com/kubrick-el-resplandor.php

A Clockwork Orange

2007-11-27T08:11:00.000-08:00

La naranja mecánica (1972) es la adaptación al cine de la novela homónima de 1962 de Anthony Burgess. La adaptación fue producida, escrita y dirigida por Stanley Kubrick. Presenta a Malcolm McDowell como el carismático delincuente Alex. El filme presenta una banda sonora realizada por Wendy Carlos.

El filme de Kubrick es relativamente fiel a la novela de Burgess, omitiendo al final, un capítulo positivo en el cual Alex madura y se desprende de lo sociópata. La película termina con el ofrecimiento a Alex de un trabajo en el gobierno, implicándo que Alex se mantiene sociópata; mientras que la novela termina con el positivo cambio de Alex. Esta discrepancia ocurre porque Kubrick basó el guión en la edición norteamericana del libro, cuyo capítulo final fue borrado por insistencia del editor. Kubrick dijo que no había leído la versión original de la novela hasta que ya casi había terminado de escribir el guión y que nunca había considerado usar ese capítulo. En la introducción de la edición de 1996 de novela, se lee que Kubrick encontró el final de la edición inglesa muy blando, optimista y poco realista.

LA NARANJA MECÁNICA

Título original: A Clockwork Orange

Año: 1972

Con: Malcolm McDowell - Patrick Magee - Adrienne Corry - Miriam Karlin
Guión de Stanley Kubrick
Basada en la novela de Anthony Burgess
Producida y dirigida por Stanley Kubrick
Productores Ejecutivos Max L Raab y Si Litvinoff Warner Bros. Una compañía Time Warner Entertainment

Sinopsis:

En una futurista Gran Bretaña, Alex y sus drugos, una banda de jóvenes delincuentes, salen cada noche para disfrutar de la 'vieja ultraviolencia' y saciar su apetito sexual violando a indefensas mujeres. A razón de un pequeño problema dentro de la banda, Alex es traicionado por sus drugos y dejado a merced de la policía, la cual lo lleva a una prisión de alta seguridad donde Alex tiene que pasar una larga temporada. Pero un día se le presenta la oportunidad de acortar su estancia presentándose como voluntario a la nueva 'terapia de aversión', con la que se asegura que después de dos semanas la maldad ya no existirá dentro de su ser. Y así es. Es tal la 'terapia de aversión' que el pobre Alex, al menor signo de violencia siente nauseas y unas ganas terribles de morirse. Pero la sociedad no ha olvidado, y los muchos crímenes que cometió en su época dorada se cobrarán su venganza.

Temas que se destancan en el film

Moral: Una de las principales preguntas moralistas de la película -como en otros libros de Burgess- es la definición de "bondad". Después de la terapia de aversión, Alex se comporta como un buen miembro de la sociedad, pero no por opción; su bondad es involuntaria y mecánica, como lo dice el título de naranja mecánica. En prisión, el padre, el único hombre honesto y genuino allí, critica al Tratamiento Ludovico alegando que la verdadera bondad debe venir de adentro. Debe ser genuina.

Psicología : Otro tema central es el ultraje a la psicología conductual propuesta por los psicólogos John B. Watson y B.F. Skinner. Burgess desaprobaba el conductismo, llamando al libro más famoso de Skinner, Beyond Freedom and Dignity (Más Allá de la Libertad y la Dignidad), "uno de los libros más peligrosos jamás escrito". Aunque Watson concedía limitaciones al conductismo, Skinner argumentaba que la modificación de la conducta (aprender técnicas de recompensa sistemática y castigo) era la clave para un sociedad ideal. El tratamiento Ludovico es la forma de modificación de conducta que los científicos aplicaron a Alex, condicionándolo a asociar actos de violencia con malestar físico, previniéndolo de ser violento. La película incorpora una desconfianza al conductismo, enfocándose en la deshumanización y falta de opción en los métodos de modificación de conducta.

" Es curioso que los colores del mundo real solo

parecen verdaderos cuando los videamos en una pantalla"

Alex - A Clockwork Orange

Más información:

http://es.wikipedia.org/wiki/La_naranja_mec%C3%A1nica_(pel%C3%ADcula)

1,2 ... ultraviolento (8)

Pierrot Le Fou

2007-11-14T06:57:00.000-08:00

Pierrot le fou, es una película francesa de 1965 dirigida por Jean-Luc Godard, y protagonizada por Anna Karina y Jean-Paul Belmondo, basada en la novela de Lionel White.

Ferdinand Griffon, “Pierrot” (Jean-Paul Belmondo), intenta abandonar su vida aburrida en París escapando con Marianne Renoir (Anna Karina), una niñera contratada por su mujer (Graziella Galvani) que está siendo perseguida por unos asesinos.La línea de Godard, cada película que filma, se va haciendo más quebrada. Su idea fija de separar la narración literaria de la cinematográfica, en cierto modo aparece ya como una obsesión.

La investigación sobre una narrativa propia, desprovista de toda retórica, lo sitúa en una vanguardia extrema, –como si la innovación fuera lo imprescindible–, en la que unas veces acierta en lo que serán futuras pautas del lenguaje, y otras desvaría fuera de campo, destrozando lo que sus admirados clásicos (vanguardistas en su época) tanto esfuerzo habían empleado en consolidar.

Por fortuna el tiempo pone cada uno en su sitio, y una gran parte de los experimentos godardianos, –incluido el propio director– han quedado fuera la línea habitual del cine, eso si, permaneciendo en el mundo de los irrenunciables mitos de aquellos atrevidos, necesarios y revolucionarios años sesenta.

En “Pierrot el loco”, adapta una pequeña novela, con el único fin de demostrar la total diferencia e independencia de ambos lenguajes. Y realmente lo consigue.Trabajando sin guión, con su escuela anárquica en la realización, y con un argumento carente de interés, Godard logra la antítesis de la comunicación de sentimientos, de la expresión de ideas o al menos, del mero entretenimiento.

Apoyado en una estética descaradamente tomada de la pintura pop, logra un film visualmente correcto, aunque no le importe que sea intelectualmente vacío o incomprensible. El cine de Godard, visto con una cierta perspectiva, a partir de la locura de su Pierrot, se va a convertir en una serie de experimentos, entretenidos para su realizador y alucinantes para sus incondicionales.

Para el cine como arte, ya poco más, el enfant terrible había dicho todo lo que tenía que decir, y las repeticiones, cansan.

TITULO ORIGINAL: Pierrot le Fou
AÑO: 1965
DURACIÓN: 110 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Jean-Luc Godard
GUIÓN: Jean-Luc Godard
MÚSICA: Antoine Duhamel
FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard
REPARTO: Jean-Paul Belmondo, Anna Karina, Dirk Sanders,
Jean-Pierre Lèaud, Raymond Devos, Graziella Galvani, Laszlo Szabo, Samuel Fuller
PRODUCTORA: Coproducción Francia-Italia

SINOPSIS:
Ferdinand Griffon, alias 'Pierrot' (Jean-Paul Belmondo), huye de París con Marianne (Anna Karina), la niñera a la que ha contratado su esposa (Graziella Galvani). La pareja se dirige al sur de Francia, pero el viaje se torna muy peligroso cuando les pisa los talones una banda de gángsters con los que Marianne está implicada.

Una película de necesarios multiples visionados (ya sea por gusto y fascinación, o por incompresión) y de muy escasas oportunidades de ser vista, ya que todavía no se encuentra editada en dvd, aunque se programa a menudo en cine-clubs o filmotecas y estuvo editada en vhs en versión original subtitulada. Pero ante todo “verdad a 24 fotogramas por segundo” al igual que la vida. Sin lugar a dudas el que la vea, jamás podrá olvidar la actuación de Belmondo y Anna Karina. Y Godard se convertirá en su semidios fílmico

Más información:

http://www.sysvisions.com/feedback-zine/cine/c_pierrotlefou.html

Modern Times

2007-11-09T05:34:00.000-08:00

Tiempos Modernos es un largometraje de 1936 dirigido, escrito y protagonizado por el célebre actor Charles Chaplin. La película constituye un retrato de las condiciones desesperadas de empleo que la clase obrera tuvo que soportar en la época de la Gran depresión, condiciones promovidas, en la visión dada por la película, por la eficiencia de la industrialización y la producción en cadena. En la película también intervienen Paulette Goddard, Henry Bergman, Stanley Sandford y Chester Conklin. La película muestra escenas de corte futurista de la factoría en la que trabaja Charlot que podrían haber sido influenciadas por el film Metrópolis de Fritz Lang.

Tiempos modernos fue un filme a caballo entre el cine mudo y sonoro. Se incluyeron algunos efectos sonoros en la película, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Al final del film puede escucharse brevemente la voz de Charles Chaplin, que canta una versión de la canción de Léo Daniderff, Je cherche après Titine, pero con una letra sin sentido, conocida como "nonsense song", cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés.

Considerado como un ejemplo de filme de crítica social, el mismo Chaplin negó la relevancia que muchos han querido darle a su trabajo en este largometraje.

TITULO ORIGINAL: Modern Times
AÑO: 1936
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Charles Chaplin
GUIÓN: Charles Chaplin
MÚSICA: Charles Chaplin
FOTOGRAFÍA: Rollie Totheroh & Ira Morgan (B&W)
REPARTO: Charles Chaplin, Paulette Goddard, Henry Bergman,
Chester Conklin, Stanley Stanford, Hank Mann, Louis Natheaux, Allan Garcia
PRODUCTORA: United Artists

SINOPSIS:
Un obrero de la industria del acero acaba perdiendo la razón, extenuado por el frenético ritmo de la cadena de montaje de su trabajo.
Después de pasar un tiempo en el hospital recuperándose, al salir es encarcelado por participar en una manifestación, en la que se encontraba por casualidad.
En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín por lo que gana su libertad. Una vez fuera de la cárcel reemprende la lucha por la supervivencia, lucha que compartirá con una joven huérfana que conoce en la calle.

Chaplin y Cherster Conklin

Charles Chaplin junto a su esposa Paulette Godard

Paulette Godard

[Este es un film de culto, un de mis favoritos de todos los expuestos hasta hora. Chaplin se anticipaba a la post "Gran Drepresión" que sufriría el proletariado en todo el mundo, a través de su simpatiquísimo personaje Charlot. Escenas de una magnificencia incomparable, como aquella en la que confunden al protagonista con un líder comunista, logrando en el espectador esa noción de color nunca antes lograda. Este es un mínimo ejemplo , por citar alguno, de la genilaidad del film y la óptica minimalista con la que Chaplin miró las problemáticas sociales de la época]

Más información:

http://es.wikipedia.org/wiki/Tiempos_Modernos
Trailer de la película: http://www.youtube.com/watch?v=-YO86Bepf5Y
http://www.mangafilms.es/tiemposmodernos/

Eraserhead

2007-10-27T15:06:00.000-07:00

TITULO ORIGINAL: Eraserhead
AÑO: 1976
DURACIÓN: 90 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: David Lynch
GUIÓN: David Lynch
MÚSICA: Peter Ivers
FOTOGRAFÍA: Frederick Elmes (B&W)
REPARTO: John Nance, Charlotte Stewart,
Allen Joseph, Jeanne Bates, Judith Anna Roberts
PRODUCTORA: David Lynch
The American Film Institute for Advanced Film Studies

La película no presenta una trama convencional y la historia se desarrolla ambiguamente entre lo real y lo fantástico. Fue filmada en blanco y negro, en un sórdido entorno de decadencia industrial, alrededor del personaje de Henry Spencer (incorporado por Jack Nance), un hombre nervioso y enigmático que trabaja en una imprenta y dice estar de vacaciones. Henry se reencuentra con Mary X, su ex novia, quien le invita cenar en casa con sus padres. Henry se entera entonces de que ella ha dado a luz a un grotesco ser después de un parto anormal, situación por la cual se ve obligado a casarse. A partir de ese momento, la pareja debe cuidar a la anormal criatura, hasta que Mary, cansada del incesante llanto del crío, decide abandonar la casa. Henry queda al cuidado del ser hasta que finalmente decide deshacerse de él.

La película fue filmada a lo largo de seis años, debido a que nadie se interesó por financiar el proyecto. Lynch aprovechó la ayuda dada por el American filme institute de Los Angeles, lugar donde desarrollaba sus estudios de cinematografía, para financiar la película, sin embargo este dinero resultó insuficiente, por lo que tuvo que recurrir a familiares y amigos, como Jack Fisk, su amigo de la infancia, quien estaba casado con la actriz Sissy Spacek. Ambos le ayudaron a financiar la película. Lynch llama a la película su "Historia de Filadelfia" refiriéndose al hecho de que quiso reflejar los temores y la ansiedad que experimentó cuando vivió en dicha ciudad.

David Lynch hizo un film que tenía como objetivo ahondar en los temores de la persona, mostrando a través de su delirio surrealista todas las obsesiones que se generan en el subconsciente de cada uno de nosotros. Nunca volví a ver una película tan impactante. Completamente reveladora para mí, ya que hasta ese entonces había seguido una línea cinéfila, sin alejarme de las películas "con argumento”. Ensordecedora, abrumadora por momentos, te envuelve en una atmósfera escalofriante y fuera de lo que perceptivamente asociamos a la "realidad".

Más información:

http://www.cinefania.com/movie/200402/

Les Quatre Cents Coups

2007-10-23T09:59:00.000-07:00

Los cuatrocientos golpes. (Les quatre cents coups)
País: Francia. 1958. 97 min. B/N.
Director: François Truffaut.
Guión: François Truffaut y Marcel Moussy.
Fotografía: Henri Decae.
Música: Jean Constantin.

Intérpretes:

Jean-Pierre Léaud (Antoine Doinel), Albert Remy (Julien Doinel),
Claire Maurier (Gilberte Doinel), Guy Decomble (Profesor de francés),
Yvonne Claudie (Sra. Bigey), Pierre Repp (Profesor de inglés),
Patrick Auffay (René), Georges Flamant (Sr. Bigey),
Robert Beauvais (Director de la escuela), Jacques Monod (Policía),
Claude Mansard (juez), Jean-Claude Brialy (El conquistador),
Jeanne Moreau (La joven del perro)

Magistral película de François Truffaut, que prácticamente abrió con ella «Nouvelle Vague», movimiento del cual iba a ser su más fiel exponente. Con este primer largometraje, ganó el gran premio al mejor Director en el Festival de Cannes 1959. Dedicado a la memoria de André Bazin -quien rescató de la cárcel a Truffaut y lo impulsaría como crítico en su Cahiers de Cinéma-, este film testimonial de la segunda posguerra europea posee cierto carácter autobiográfico y forma una simbiosis con el pequeño protagonista, Jean-Píerre Léaud, cuyo personaje continuaría en la obra de su autor (episodio de L'amour á vingt ans, Besos robados, Domicilio conyugal, La noche americana, L'amour en fuite, cuando este actor ya tenía 30 años). Fue rodado en escenarios naturales y con muy pocos medios, rompiendo el estilo del cine de «qualité» que imperaba en la Francia de aquel período.

Los niños y los adolescentes de Truffaut rondan su autobiografía. Siendo la Antonie Doinel su alter ego. Sus no son aceptados por la sociedad: no son antisociales, sino asociales... están al margen, pero no están en contra.

«Los cuatrocientos golpes, escribe Edmond Orts, es la crónica de una soledad y desamparo. La historia de un niño que palpa el sinsabor del olvido y que busca su propia identidad en el instinto de la libertad. François Truffaut, que comprendió como pocos cineastas lo que ha hecho el sentido de la frustración en la niñez, descubre con fino talento cinematográfico la psicología del desarraigo que anida en el entrañable personaje central de esa dura narración.»

Más información:

http://www.truffaut.eternius.com/Les_Quatre_Cents_Coups_1959.htm

Jules y Jim

2007-10-17T19:19:00.000-07:00

“Yo sólo funciono por sensaciones, por cosas ya comprobadas.
Es por esto que mis films están llenos de recuerdos de juventud."
(Françoise Truffau)

TITULO ORIGINAL: Jules et Jim
AÑO: 1961
DURACIÓN: 104 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: François Truffaut
GUIÓN: François Truffaut & Jean Gruault (Novela: Henri Pierre Roché)
MÚSICA: Georges Delerue
FOTOGRAFÍA: Raoul Coutard (B&W)
REPARTO: Jeanne Moreau, Oskar Werner, Henri Serre, Marie Dubois, Vanna Urbino, Sabine Haudepin, Boris Bassiak, Kate Noelle, Anny Nielse
PRODUCTORA: Les Films du Carrosse

Dos artistas, el austriaco Jules y el francés Jim, están enamorados de la misma mujer, Catherine, desde hace 20 años. La amistad entre ambos artistas se inicia en Montparnasse en 1907. Más tarde, durante un viaje a Viena, conocerán a Catherine y será Jules quién primero se enamore de ella, para terminar casándose y teniendo juntos una niña. Finalizada la guerra, Jim vuelve para saludar a sus amigos y Catherine

lo recibe radiante, con su hija de cuatro años. Es entonces cuando Jim comprende que las cosas no van bien en el matrimonio. Catherine termina convirtiéndose en la amante de Jim y deseando tener un hijo con él que lleve su nombre.

Memorable historia de Truffauat sobre tres personas enamoradas y de la manera en que los años afectan ese sentimiento y la relación entre ellos. Esta conmovedora historia, sobre la amistad sin condiciones y del amor incontrolable, conforma un filme de una particular belleza y encanto. Definitivamente, una obra maestra del cine.

Más información:
http://cinema16.mty.itesm.mx/truffaut/jules/jules.html
http://www.truffaut.eternius.com/Jules_et_Jim_1961.htm

La dolce vita

2007-10-11T21:05:00.000-07:00

Cartel publicitario de La Dolce Vita

Federico Fellini y Marcello Mastroianni

TÍTULO: La Dolce Vita
DIRECCIÓN: Federico Fellini
GUIÓN: Federico Fellini, Tullio Pinelli, Ennio Flaiano
FOTOGRAFÍA: Otello Martelli
ESCENOGRAFÍA: Piero Gherardi
VESTUARIO: Piero Gherardi
MÚSICA: Nino Rota
MONTAJE: Leo Catozzo
PRODUCCIÓN: Giuseppe Amato
PAÍS:Italia
AÑO:1960
DURACIÓN: 173’

PERSONAJES Y ACTORES:
Marcello Rubini: Marcello Mastroianni
Maddalena: Anouk Aimée
Emma: Yvonne Fourneaux
Sylvia: Anita Ekberg
Steiner: Alain Cuny

Anita Ekberg y Marcelo Mastroianni

Roma, años 60. Marcello Rubini (Marcello Mastroianni) es un periodista del corazón inmerso en la vida nocturna romana y en el artificioso mundo de la burguesía y los personajes del show business, como la actriz Sylvia (Anita Ekberg).

No cabe decir que gran parte de la obra cinematográfica de Federico Fellini es una fantasiosa amalgama de recuerdos, imágenes o pensamientos que el propio autor ha vivido o trazado desde su genial óptica humanista y poética. En esta ocasión su original capacidad de imaginería se une a una vítrea carga sarcástica contra gran parte de la sociedad romana de la época, siendo su esencial punto de mira la comunidad aristócrata y la gente del espectáculo contemplada bajo la cínica mirada de un vividor periodista del corazón representado con la habitual magnificencia interpretativa de Marcello Mastroianni.

Fellini estructura la película de forma episódica atrapando con ingenio al espectador (a pesar de su extenso metraje) en este artificioso y bacanal viaje por la noche de la capital italiana acompañando a Marcello Rubini en sus contactos con un mundo noctámbulo repleto de superficiales y vacuos juegos festivos que fenecidos por la aurora caen despojados de sus lujosos disfraces y desguarnecidos sin su agridulce carpa circense.

Establece con ironía un retrato de diversos aspectos sociales como la religión, el hedonismo, la familia, el sexo, la juventud, el amor o el dinero desde una perspectiva crítica embebida de un humor satírico y perverso filmado con su habitual gusto por las escenas exuberantemente bulliciosas, empapadas de iconografías simbólicas en un conjunto de hondo pesimismo existencial.

Como casi cualquier otra película de Fellini (y esta no es una excepción), La dolce vita es un film difícil de resumir en unas pocas líneas. La película trata principalmente la vida nocturna y las juergas de los yuppies adinerados de la posguerra en Roma centrando la historia en un periodista romano que se mueve dentro de la alta sociedad italian . Con este film, Fellini demuestra que una película no necesita argumento en absoluto para convertirse en una obra maestra.

En conjunto es una película con una estructura brillante y muy regular y el ritmo no decae nunca gracias a la usual mezcla de Fellini entre fantasia y realidad.

Marcelo Mastroianni y Anita Ekberg
en la famosa escena de La Fontana Di Trevi

Todo el film esta plagado de escenas antológicas (como la de La Fontana Di Trevi) y merece una mención especial, para cualquier amante o aprendiz de cine, el excelente uso de la cámara de Fellini, uno de los directores técnicamente mas dotados de la historia.

En el reparto sobresalen Marcelo Mastroianni y Anouk Aimee que bordan sus papeles y demuestran que son los mejores actores del cine italiano que existan o hayan existido. A destacar también la banda sonora de Nino Rota, colaborador habitual de Fellini.

En conclusión, es un film muy recomendable y uno de los mejores trabajos de este genial director y en general de la historia del cine, muy recomendable para cualquiera que le guste ver algo diferente a lo acostumbrado.

Más Información:

http://www.italica.rai.it/esp/cinema/autores/dolcevita.htm

La gran ilusión

2007-10-10T09:16:00.000-07:00

No es el resultado de un sondeo, sino un sentimiento personal:
JEAN RENOIR
es el cineasta más grande del mundo

-Françoise Truffaut-

Ph: (izq a der) Pierre Fresnay y Erich von Stroheim

El contexto histórico es la Primera Guerra Mundial, una de las grandes obras maestras del cine de todos los tiempos, una obra monumental sobre la camaradería que retrata el día a día de unos prisioneros franceses en un campo de concentración alemán durante la Primera Guerra Mundial. Al campo llegan dos oficiales de la aviación francesa, y sus nuevos compañeros de celda les informan de que están cavando un túnel bajo tierra para poder escapar de allí.

Profundo análisis de las relaciones humanas bajo condiciones extraordinarias, el estudio sobre la diferencia de clases en tiempos de guerra provocó la ira del gobierno nazi y las críticas de los excombatientes franceses que veían inaceptable la idea de que la clase social fuese más importante que la patria.

* Título original: La Grande Illusion
* Director: Jean Renoir
* Guión: Jean Rendir - Charles Spaak
* Producción: Albert Pinkovich - Frank Rollmer
* Montaje: Marthe Huguet - Marguerite Rendir
* Música: Joseph Kosma
* Intérpretes: Julien Carette - Marcel Dalio - Jean Dasté -
Werner Florian - Pierre Fresnay - Jean Gabin - Sylvain Itkine - Gaston Modot -
Dita Parlo - Georges Péclet - Erich von Stroheim.
* Año: 1937
* Duración: 114 min

Sobre el director: Jean Renoir (Francia 1894-EE.UU. 1979)

Es el representante máximo del cine francés en los años de entreguerras. Matemático y filósofo, hijo del gran pintor impresionista Auguste Renoir y controvertido cineasta, logró construir una filmografía de gran valor universal, sustentada en un flujo constante de humanidad, realidad y poesía. Considerado uno de los más grandes artistas que haya conocido el cine, fue capaz de trabajar en todos los géneros sin sacrificar su individualidad ni doblegarse a los convencionalismos comerciales. Aunque la influencia de su padre fue decisiva para su formación artística, desarrolló una sensibilidad visual completamente propia y una gran habilidad técnica. Las contradicciones inherentes a la naturaleza humana constituyen el corazón de su obra fílmica

Más información:

http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article721.html

¿Para qué sirve un campo de golf? Pues para jugar al golf. ¿Y el de tenis? Para jugar al tenis, pues un campo de prisioneros sirve ... para evadirse.
{ Pierre Fresnay en La Gran Ilusión }

Psicosis

2007-10-07T07:14:00.000-07:00

"Si hubiera hecho la cenicienta,
el espectador buscaría un cadáver en la carroza"
(Alfred Hitchcock)

Psicosis es probablemente una de las mejores películas de terror de todos los tiempos. Y sin lugar a dudas, uno de los hitos de la técnica cinematográfica.

Son muchos los que piensan que Psicosis es la obra maestra de Alfred Hichtcock. Y es que, son pocas las películas que logran alcanzar un clímax de inquietud, espanto y terror equiparable al de Psicosis. Desde el primer hasta el último minuto te mantiene en suspenso, incómodo y tenso.

La película esta basada en la novela homónima de Robert Bloch. Dicha novela cuenta la historia de un psicópata asesino de Wisconsin llamado Edward Gein.

Por aquel tiempo Hichtcock tenía contrato en vigor con la Paramount Pictures. Pero cuando los responsables del estudio supieron que la película pretendía ser rodada en blanco y negro alegaron que no disponían de espacio en sus estudios. Pretendían de este modo que Hichtcock cambiara de planes. En respuesta, el director decidió alquilar los estudios de la Revue-Universal Studios donde venía realizando sus producciones para TV hasta entonces. Y así, a finales de noviembre de 1959 comenzó el rodaje.

Psicosis es una película que rompía con muchos convencionalismos establecidos hasta entonces. Y no sólo eso sino que marcó la pauta dentro del género de terror hasta el punto de ser considerada por muchos como su paradigma.

En la historia todo es inquietante. Desde el mismísimo comienzo se nos va dando a entender que algo horrible va a suceder... El poder de sugestión que consigue gracias a la música y a los efectos técnicos es sorprendente: la voz en off, los primeros planos del dinero y del ojo de Norman, las tomas cenitales de la señora Bates, los fundidos, la caída de Arbogast... Y es que, pocas películas pueden presumir de aglutinar tanta técnica cinematográfica.

La escena de la ducha, la más famosa del film y una de las más famosas de la historia del cine, requirió el trabajo de 7 días de rodaje. Tiempo después Hichtcock el director reveló que hizo los ensayos con agua caliente y luego, al momento de filmar, la cambió por agua fría, casi congelada. Sin que la actriz lo supiera, obviamente. La cámara llego a filmar desde 70 ángulos diferentes. Mención aparte merece el McGuffin, un invento cinematográfico de Hichtcock consistente en centrar la atención sobre una trama u objeto que en un primer momento parecen capitales para el desarrollo de la historia pero que luego se desvanecen con la consiguiente sorpresa por parte del espectador.

En cuanto a los actores, cabe destacar a Janet Leigh y a Martin Balsam, y especialmente a Anthony Perkins, que clava el papel a la perfección. Años después protagonizó la secuela del film, esta vez de la mano de Richard Franklin. Su personaje es inquietante desde el primer momento que aparece en pantalla...

Pues bien, a pesar de todo, Psicosis no logró ganar ni un solo Oscar. Recibió 4 nominaciones, entre otras a mejor director y a mejor actriz secundaria, pero no llegó a ganar nada. Casos como éste demuestran que los Oscars de Hollywood no son un factor del todo fiable a la hora de valorar una película. Que Psicosis no fuera ni siquiera nominada a mejor película... tiene delito. En cualquier caso, cabe señalar que compitió con otras películas míticas de la talla de El Apartamento, Los siete magníficos, Éxodo, El Álamo o Espartaco.

Un películón y una obra maestra que no envejece con el tiempo.

TÍTULO:
Psicosis
TÍTULO ORIGINAL:
Psycho
AÑO:
1960
DURACIÓN:
112 min.
NACIONALIDAD:
EE.UU.
GÉNERO:
Terror
REPARTO:
Anthony Perkins, Janet Leigh,
Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam
DIRECTOR:
Alfred Hitchcock
GUIÓN:
Robert Bloch, Joseph Stefano

[Marion Crane, que trabaja como empleada en una inmobiliaria, recibe el encargo de su jefe de ingresar en el banco cuarenta mil dólares. Marion está pasando por apuros económicos, y traicionando la confianza que en ella ha depositado su jefe, se escapa con el dinero. En su huida le sorprende una tormenta, y se detiene a pasar la noche en el motel que regenta Norman Bates, un joven aficionado a la taxidermina y con doble personalidad. . La joven es asesinada y su hermana Lila (Vera Miles) al igual que un investigador privado de la empresa emprenden una peligrosa búsqueda.]

"Ella se enloquece a veces.
Todos nos enloquecemos a veces. ¿Usted no?"

Más información:

http://html.rincondelvago.com/psicosis_alfred-hitchcok.html

À bout de souffle

2007-10-04T07:14:00.000-07:00

"Sin este pequeño inmenso filme no se entendería nada del cine posterior"
(Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

TITULO ORIGINAL: À bout de souffle
OTROS TÍTULOS: Al final de la escapada, Al filo de la escapada, Sin Aliento
AÑO: 1959
DURACIÓN: 89 min.
PAÍS: Francia
DIRECTOR: Jean-Luc Godard
GUIÓN: Jean-Luc Godard (Argumento: François Truffaut)
REPARTO : Jean-Paul Belmondo, Jean Seberg, Daniel Boulanger, Henri-Jacques Huet, Roger Hanin, Jean-Pierre Melville, Jean-Louis Richard, Claude Mansard, Jean-Luc Godar

À bout de souffle fue el primer largometraje del director francés Jean-Luc Godard, que con su estilo innovador y desafiante de montaje y fotografía inauguró el movimiento de la Nouvelle vague, que revolucionaría el cine francés. El guión es del propio Godard, con la colaboración de Truffaut, también colaboró Claude Chabrol.

Película de culto, muy apreciada en su momento por la crítica más avanzada, con el paso del tiempo confirma la solidez de los planteamientos de Godard, con una manera de narrar muy sugerente, y un uso del primer plano eficaz. La imitación del característico gesto de Michel/Belmondo en una conocida campaña publicitaria de una marca de vermut muestra la influencia que ha llegado a tener.

[ Michel Poiccard (Jean-Paul Belmondo) es un ex-figurante de cine admirador de Bogart que, tras robar un coche en Marsella, mata fortuitamente, con un revólver que encuentra en la guantera, a un motorista de la policía camino de París. Allí, tras robar dinero a una amiga, va en busca de Patricia (Jean Seberg), una joven burguesa americana, sin ningún remordimiento por lo que ha ocurrido en la carretera. Patricia es una aspirante a escritora que vende el New York Herald Tribune por los Campos Elíseos. Espera escribir en el periódico y matricularse en la Sorbona. En Europa parece haber hallado una libertad que no existe en América. Michel le propone que se vaya con él a Roma a lo que ella se niega. Después de la negativa, Michel va cobrar un cheque a su código postal. Entonces sabemos que la policía le busca por la muerte del motorista, y ahí comienza el principio del trágico desenlace del film ... ]

Datos del film:

Al principio del filme hay una dedicatoria a la Monogram Pictures, productora americana de filmes de serie B.
Godard dice: "Yo improviso, sin duda, pero con materiales que poseo desde hace tiempo. Durante años se reúnen cantidades de cosas y de pronto se las introduce en lo que se está haciendo".

1959:

Fue el estreno de "Los Cuatrocientos Golpes" de Françoise Truffau.
"Hiroshima, Mon Amour" de Alain Resnais.
"Rio Bravo" de Howards Hawnks.
"La Dolce Vita" de Federico Fellini.

Nunca volví a ver a un Belmondo tan a flor de piel como en este film y en Pierrot Le Fou, Jean Seberg volvería a desempeñar un papel imponente en Buenos Días Tristeza, y después una vida de excesos acabaría con su carrera llevándosela por sobredosis de pastillas. Una obra de arte de principio a fin, el gesto de Belmondo quedará indeleble en mi memoria, y en la memoria de todos inmortalizado tiempo después por aquella marca de martini. Este film de culto es mi favorito, y Godard es un genio anticipado a su época.

Más información:
http://www.miradas.net/0204/clasicos/2003/0302_alfinal.html

Casablanca

2007-10-01T09:27:00.000-07:00

“Hay valores por los que merece la pena hacer sacrificios”

Así define el guionista Howard Koch la esencia de una película. El paso de los años se revela anecdótico en historias que, como ésta, no han sido concebidas para definir una época, sino para estremecer el corazón del hombre. Casablanca es un clásico sencillamente porque lo que en ella está en juego –ese puñado de valores de los que habla Koch- siempre interesa, y atrae, y emociona. Y si la historia del Rick’s Café Américain vino a convertirse en el paradigma del romanticismo, no es menos cierto que desde su alumbramiento allá en 1942 quedó también inventada una nueva terapia contra la desesperación, una medicina que conviene recetarse cuando perdemos algo de eso que podemos denominar confianza en la condición humana. Es el mito hecho celuloide, jamás volverá a la pantalla una actuación tan fría y pasional a la vez como la del grandioso Humphrey Bogart o la calidez y sensualidad de la rubia explosiva, Ingrid Bergman. Por todos estos condimentos plagados de sentimentalismo, política, épocas y pasiones, Casablanca, pasa a ser uno de mis filmes románticos favoritos ...

TITULO ORIGINAL: Casablanca
AÑO: 1942
DURACIÓN: 102 min.
PAÍS: Estados Unidos.
DIRECTOR: Michael Curtiz.
GUIÓN: Julius J. Epstein, Philip G. Epstein, Howard Koch (Play: Murray Burnett & Joan Alison)
MÚSICA: Max Steiner.
FOTOGRAFÍA: Arthur Edeson (B&W).
REPARTO: Humphrey Bogart, Ingrid Bergman, Paul Henreid, Claude Rains, Conrad Veidt, Sydney Greenstreet, Peter Lorre, Dooley Wilson, S.Z. Sakall, Madeleine LeBeau, Joy Page, John Qualen.
PRODUCTORA: Warner Bros. Productor: Hal B. Wallis.

Durante la Segunda Guerra Mundial Rick Blaine (Humphrey Bogart), un exiliado americano por oscuras causas que no se desvelan a lo largo del film, regenta el local nocturno más popular de Casablanca el Rick´s Café. El cínico y solitario Rick consigue gracias a la muerte de Ugarte dos salvoconductos para abandonar el Marruecos de la "Francia no ocupada", de la Francia de Vichy.

Llega entretanto a Casablanca el mayor alemán Heinrich Strasser (Conrad Veidt), al cual el jefe de la policía, el capitán Renault (Claude Rains), complace de todas las formas posibles, incluso deteniendo a un líder de la resistencia checa Victor Lazlo (Paul Henreid), que llega a Casablanca acompañado de Ilsa (Ingrid Bergman), una antigua amante de Rick que le abandonó en París sin dar explicaciones. Rick sigue resentido con ella, aunque cambia de actitud al conocer el motivo por el cual se marchó de su lado. Aparentemente, ambos se reconcilian y ya juntos, Rick convence a Ilsa para salir de Casablanca utilizando los salvoconductos que tiene Rick. Al mismo tiempo, Rick convence al capitán Renault de que va a escapar con Ilsa y dejará a Lazlo en tierra para que lo detenga la Gestapo. Sin embargo, y dado el cambio de actitud de Rick, en un acto de heroísmo, permite que Lazlo e Ilsa vayan a América a continuar con la labor de resistencia al otro lado del Atlántico, aunque para ello deba disparar al mayor Strasser, amnenazar a Renault y sobre todo,perder a Ilsa.

" El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos. "

Más informacíon:

http://cuantoyporquetanto.com/htm/planosysecuencias/especiales/casablanca.htm
(Trasfondo político del film)

Cinema Show

2007-10-01T09:11:00.000-07:00

Como había comentado en "uploads" anteriores, mi blog es un contraste entre las diferentes ramas del arte, a pesar de que por el momento solo me haya detenido a escribir sobre rock.

Entonces, haciendo honores a las líneas que escribo más arriba, a partir del día de la fecha, y hasta cuanto abarque la jornada, he decidido recapitular las películas que me han cambiado la perecepción del cine. Algunas clásicas, otras no tanto, algunas contemporáneas y otras más viejas. Pasando por los más variados géneros. Líneas como Godard, Fellini, Hitchcock, Kubrick, Ava Gardner, Charles Chaplin, Jean Paul Belmondo, Ewan McGregor, entre otros nombres de actores y directores que se puedan imaginar serán moneda corriente a la hora de entrar a este espacio.

Espero contar con sus opiniones, votaciones, críticas y hasta sugerencias acerca de este especial de cine al que se va a abocar mi blog durante un tiempo.
Gracias a todos los que visitan asiduamente este espacio y permiten su crecimiento a diario.

Y como no podía ser de otra manera, corono esta entrada con una joya auditiva, producto de una de las bandas más importantes de rock progresivo de nuestro país

[ Películas (Qué se puede hacer salvo ver) ]

* La Máquina de Hacer Pájaros *

Ella es una actriz,
se seca y mira el mar, se viste de plata,
nadie la viene a buscar,
no espera que toquen el timbre
se monta en un convertible
y se va, ya verán.
Que se puede hacer salvo ver películas,
sueño con la actriz que se seca y mira el mar,
mi corazón es de ella,
mi mente está en las estrellas.
Sobre la T.V. se duermen mis dos gatos
salgo a caminar para matar el rato
y de pronto yo la veo entre los autos
justo cuando la luz roja cierra el paso
me acercaré al convertible
le diré: "quiero ser libre, llévame, por favor"
Que se puede hacer salvo ver películas.

El rugido del león: Bonzo Bonham

2007-09-25T08:33:00.000-07:00

A 27 años del fallecimiento del drummer que cambió el enfoque que se tenía hacia la batería, aquel que creó un estilo con una pegada más dura y con menos adornos, mucho más alejado del Jazz y del Blues (Estilos predominantes en los bateristas de Rock/Pop de la época), cambiando revolucionariamente el mundo musical, influyendo a toda las generaciones posteriores de baterías de Rock.

En un principio John Bonham no daba la talla, era él menos Zep de los cuatro, pero con su fuerte pegada derribo todas las criticas, Jimmy Page nunca quiso formar un supergrupo, ya se habían formado supergrupos como Cream o Blind Faith, que crearon muy buenos temas, pero que al poco tiempo de su creación los egos de los componentes del grupo acababan por deshacerlos, Page quería que el grupo fuese duradero y con ese fin eligió músicos que no eran famosos, Bonham era perfecto para el puesto, profesional y serio.

John Bonham era hijo de un carpintero, tuvo su primera batería a los cinco años y a los diez con la afición que demostraba consiguió su primer equipo serio. A los quince años debuta en publico con su primer conjunto Terry Webb and the Spiders, se lo tomaban tan en serio que usaban uniformes para salir a tocar. Después toco con los Way of Life y a la edad de diecisiete años se caso con Pat, una bailarina de Kiddermister y a los veinte años ya era padre de Jason y Zoe, vivió una vida agitada y apresurada, como demostrando de que esta sería tan efímera como excitante.

Ph: Izq a der
John Paul Jones (bajo), Jimmy Page (viola),
Robert Plant (voz) y John Bonham (betería)

John conoció a Robert Plant cuando tocaba con los Crawling King Snakes, fue el principio de su amistad, mas tarde volvieron a coincidir en otro grupo llamado Band of Joy. Posiblemente nunca hubiese destacado de no haber entrado a formar parte de los Led Zeppelin, pero una vez dentro de la banda demostró sus habilidades con la percusión, con solos devastadores que duraban veinte largos minutos y que emulaban a los que realizaba Jimmy Page a la guitarra.

Bonzo murió a los 32 años, en la casa de Jimmy Page en Mill Lane por una intoxicación etílica tras ingerir unas 40 medidas de Vodka con naranja en una fiesta. Después de este suceso se especula sobre un posible sustituto para reemplazar la batería, pero al final todos deciden que Led Zeppelin no podía seguir existiendo sin uno de sus miembros. Al tener firmado un contrato discográfico que les obligaba a sacar un nuevo álbum, y ante la negativa de grabar nuevas canciones sin Bonham, se optó por buscar material inédito hasta entonces, material que conformó Coda (álbum) (1982), disco que presenta canciones que se descartaron en la realización de discos anteriores y alguna toma en directo de canciones ya grabadas.

[Bonzo NOT DEAD]

Cuando seas viejo y tus ojos vean borroso,
no volverá a pasar lo del viejo pastor
Seguiremos bajando por los senderos,
yo cantaré las mismas viejas canciones
Escúchame decir tu nombre

(( Bron-Y-Aur Stomp - Led Zeppelin III ))

Más inf: http://www.alohacriticon.com/alohapoprock/article1745.html
Video: Moby Dick (drum solo) http://www.youtube.com/watch?v=cRuTcnd8YLU

Hendrix NOT DEAD

2007-09-18T10:54:00.000-07:00

En 1970 estaba grabando su cuarto álbum, “First Rays of The New Rising Sun" en Londres. Se planeaba un álbum doble (por la gran cantidad de canciones, tomas y demos). Pero en la madrugada del 18 de septiembre de 1970, Jimi Hendrix ingirió una mezcla de somníferos y alcohol y murió al parecer por aspiración de vómito. Años después, luego de investigaciones, se supo que, en realidad, el músico no había muerto en el momento y con su propio jugo gástrico. Si no que en realidad, cuando lo llevaban en la camilla, James Marshall quería voltear la cabeza para poder devolver en el suelo y el camillero colocó su cabeza fuera de la camilla causando así su atragantamiento y fallecimiento. Existen diferentes versiones sobre su muerte, aunque no están probadas oficialmente. El legado musical de Hendrix ha sido trascendental para el desarrollo de la música rock, influyendo a muchos artistas en sus creaciones.

Hendrix ha sido uno de los violeros eléctricos más grandes dentro de la historia del rock. El replanteó el uso de este instrumento, dando a conocer los múltiples usos y sonidos que podía generarse con un solo instrumento. No existe violero contemporáneo que no se haya influenciado de este maestro que tenía particularidades enormes a la hora de gestar una comunión entre él y su música. Empezó a tocar la guitarra a los 11 años, cuando su padre, amante de la música le regalara una, que curiosamente al principio poseía una sola cuerda. Aprendió su destreza en este instrumento, influenciado por discos de Robert Johnson, BBKing y Albert King a quienes idolatraba.

Era zurdo, pero curiosamente usaba guitarras normales con las cuerdas preparadas para los diestros colocadas en sentido contrario. Su manera de componer estaba basada en la asignación de diferentes colores a cada una de las cuerdas de la guitarra...

Formó parte de "The Jimi Hendrix Experience" junto a Mitch Mitchell en batería, y Noel Redding en bajo. Con innumerables éxitos a cuestas, esta banda se disuelve a principio de los 70, dejando un legado de música y arte a las generaciones posteriores.

De su genialidad y del poderío de su guitarra queda el testimonio de sus canciones que siguen expresando su pasión de vivir y de triunfar en un mundo inhóspito y hostil.

Con cada cambio generacional la figura de James Marshall Hendrix ha ido cobrando más y más dimensión. Desde su desaparición, cada nueva andada de guitarristas le ha redescubierto y venerado por lo que tenía de único y genial. Hendrix es el guitarrista de rock por excelencia. Tenía un Marshall y una Strato en el dormitorio, se preparaba el desayuno con la guitarra en ristre y era capaz de tocar, tocar y tocar, infatigablemente durante larguísimas sesiones de práctica sin desfallecer. Amaba profundamente la guitarra eléctrica. Hendrix se comprometió tanto con el instrumento y con su música, que su verdadero legado hay que buscarlo en ese punto, en esa actitud de utilizar todos los medios posibles para desarrollar la idea musical sin límites. Y en esa línea su mejor trabajo fue sin duda el doble Electric Laduland, un álbum imprescindible en la historia de la música de la segunda mitad del siglo XX.

[ 18 de Septiembre: El día más triste de tu vida, aunque no tuvieses vida]

HENDRIX NOT DEAD

Fuentes:
[ http://www.guitarraonline.com.ar/jimi.htm ]
[ http://es.wikipedia.org/wiki/Jimi_Hendrix ]

Apreciación Personal

2007-09-10T08:19:00.000-07:00

Los Beatles fueron todo esto, fueron música, arte, danza, espíritu, revolución, rebelión, genialidad, misticismo y todos los adjetivos que ud, oyente, quiera agregar...
No son de mis favoritos, ya que con el correr del tiempo, y gracias a mi pasión por la música y el arte he (re)descubierto bandas que han superado enormemente el nivel musical, lírico y hasta ideológico de los Beatles (siempre basado en mi criterio personal).

Pero sin dudas fueron la más grande influencia de muchos músicos contemporáneos a ellos, generaron una revolución que rompió los parámetros establecidos hasta entonces, no hubo nada desde el movimiento de rockeros viejos (años 50': Elvis, Little Richard, etc.) que, como ellos, lograra hacer que millares de jóvenes reinventen sus vidas, y tomen la delantera en cuestiones políticas, artísticas y sistemáticas ..

Así que un honor para mí poder compartir con ustedes estas entradas. Desde ahora en adelante voy a dedicar mi blog a otros temas, no solo música, sino también al cine, pintura, poesía, literatura y a otras expresiones artísticas que se desprendan de estas ramas...

Por cierto, les dejo un par de links para que sigan buceando acerca de los mitos de esta banda:

http://es.wikipedia.org/wiki/The_Beatles
http://www.bolivian.com/beatles/

Let it be

2007-09-10T07:22:00.000-07:00

Let It Be, fue el último LP lanzado por los Beatles como grupo, a pesar de que fue grabado antes que Abbey Road. Editado en Estados Unidos, salió a la venta el 15 de mayo de 1970. Se trata de un álbum controvertido desde su concepción: una vez que dejaron de tocar en vivo en 1966 por la imposibilidad de plasmar su música en el escenario, los Beatles se propusieron grabar un álbum para tocar un último concierto en vivo, tal vez en un barco o en un lugar público. Por tanto, las sesiones de grabación del disco (que por aquel entonces se llamaba Get Back, aludiendo al regresar a las raíces rocanroleras del grupo) comenzaron a ser filmadas, en 1969, por el cineasta Michael Lindsay-Hogg. Los ensayos fueron tensos, con constantes discusiones entre los miembros, que desde discos anteriores denotaban una convivencia cada vez peor y más hostil.

Lista de canciones

1. Two Of Us
2. Dig A Pony
3. Across The Universe
4. I Me Mine (*)
5. Dig It (**)
6. Let It Be
7. Maggie Mae (+)
8. I've Got A Feeling
9. One After 909
10. The Long and Winding Road
11. For You Blue (*)
12. Get Back

Todas las canciones escritas por John Lennon y Paul McCartney; excepto (*) escrita por George Harrison, (**) escrita por Lennon, McCartney, Harrison, Ringo Starr y Billy Preston (Órgano), y (+) tradicional, arreglo de los Beatles. Producido por Phil Spector. 1970.

Abbey Road

2007-09-10T07:17:00.000-07:00

Abbey Road es un álbum que muchos consideran la obra cumbre del grupo británico The Beatles, editado en el año 1969. Fue lanzado el 26 de septiembre de 1969 en Inglaterra, y el 1 de octubre del mismo año en los Estados Unidos.

Fue producido y orquestado por George Martin para Apple Records, con Geoff Emerick como ingeniero de grabación y Tony Banks como operador de cinta. Participó también, como asistente de grabación, Alan Parsons. Se trata del último disco que los Beatles hicieron como conjunto, ya que Let It Be, lanzado en el año siguiente, había sido grabado con anterioridad.

* Todos los temas escritos por Lennon/McCartney, excepto donde se indique:

Lado 1

1. "Come Together" — 4:20
2. "Something" (Harrison) — 3:03
3. "Maxwell's Silver Hammer" — 3:27
4. "Oh! Darling" — 3:26
5. "Octopus's Garden" (Starr) — 2:51
6. "I Want You (She's So Heavy)" — 7:47

Lado 2

1. "Here Comes the Sun" (Harrison) — 3:05
2. "Because" — 2:45
3. "You Never Give Me Your Money" — 4:02
4. "Sun King" — 2:26
5. "Mean Mr. Mustard" — 1:06
6. "Polythene Pam" — 1:12
7. "She Came in Through the Bathroom Window" — 1:57
8. "Golden Slumbers" — 1:31
9. "Carry That Weight" — 1:36
10. "The End" — 2:19
11. "Her majesty" (pista oculta) - 0:23

Del Abbey Road a la disolución final del grupo

2007-09-10T06:55:00.000-07:00

Los Beatles decidieron entrar en el estudio por última vez para grabar el que iba a ser su último álbum (aunque se puso a la venta antes que Let it be), Abbey Road (1969), que marcaría un nuevo estilo de Rock que sería emulado, en otras escalas, por grupos como Queen o Pink Floyd.

Lejos de unir al grupo, el disco acabó por separarlo del todo, juntándose en pocas ocasiones los cuatro a la vez en el mismo estudio.

Tras la publicación de Let It Be, en 1970, las desavenencias en el seno de la formación acabaron con la disolución de la misma cuando, el 10 de Abril de aquel año, McCartney anuncia que deja el grupo y cada miembro continúa su carrera musical en solitario, sin que fructificase ninguno de los intentos de volver a reunirlos, ese mismo año ganaron el premio máximo de la cinematografía el Oscar de la academia por su banda sonora en el film Let it be.

Sin embargo, los Beatles han seguido vendiendo discos, y en el 2004 superaron los 1.000 millones de discos vendidos.

El Álbum Blanco

2007-09-10T06:46:00.000-07:00

Con la gran cantidad de canciones compuestas en la India y a su regreso a Londres, editaron el doble LP The Beatles, más conocido como el "Álbum Blanco",en noviembre de 1968, este es el álbum mas experimental del grupo y demuestra el talento ya no como banda sino individual de cada uno de sus integrantes. Este período del grupo se cerraría con Hey Jude siendo uno de los sencillos más vendidos de la historia.

Pero las tensiones dentro del grupo iban siendo cada vez más notables. Todo esto quedaría grabado en el siguiente proyecto, el documental que empezó llamándose Get Back para terminar siendo Let It Be. Después de dar el famoso "concierto de la azotea" en el edificio de su sello discográfico Apple en el centro de Londres el 30 de Enero de 1969, los Beatles no quedaron contentos con el disco y no se editaría hasta casi un año después con producción, no muy bien aceptada por el cuarteto, a cargo de Phil Spector.

Todos los temas escritos por John Lennon y Paul McCartney, excepto donde se indique

Cara 1

1. "Back in the U.S.S.R." — 2:45
2. "Dear Prudence" — 3:54
3. "Glass Onion" — 2:18
4. "Ob-La-Di, Ob-La-Da" — 3:07
5. "Wild Honey Pie" — 0:52
6. "The Continuing Story of Bungalow Bill" — 3:13
7. "While My Guitar Gently Weeps" (George Harrison) — 4:44
8. "Happiness is a Warm Gun" — 2:42

Cara 2

1. "Martha My Dear" — 2:29
2. "I'm So Tired" — 2:03
3. "Blackbird" — 2:18
4. "Piggies" (George Harrison) — 2:04
5. "Rocky Raccoon" — 3:33
6. "Don't Pass Me By" (Ringo Starr) — 3:50
7. "Why Don't We Do It in the Road?" — 1:40
8. "I Will" — 1:44
9. "Julia" — 2:53

Cara 3

1. "Birthday" — 2:42
2. "Yer Blues" — 4:00
3. "Mother Nature's Son" — 2:47
4. "Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey" — 2:24
5. "Sexy Sadie" — 3:15
6. "Helter Skelter" — 4:29
7. "Long, Long, Long" (George Harrison) — 3:03

Cara 4

1. "Revolution 1" — 4:14
2. "Honey Pie" — 2:41
3. "Savoy Truffle" ((George Harrison) — 2:54
4. "Cry Baby Cry" — 2:34
5. "Revolution 9" — 8:13
6. "Good Night" — 3:10

Del Submarino Amarillo a la sombra de Yoko Ono

2007-09-10T06:26:00.000-07:00

John Lennon & Joko Ono pidiendo por la paz

En 1968 publican el álbum y la película Yellow Submarine. John Lennon comienza a intimar por esta época con la artista conceptual japonesa Yoko Ono, a quien conoció dos años atrás, mientras ésta exponía sus trabajos en la galería Índica de Londres. Yoko le influenciará enormemente, siendo una continua molestia para los demás, especialmente para Paul.

Ese mismo año se van a un retiro espiritual en la India a cargo del Maharishi Mahesh Yogi, pero después de un tiempo, se corre el rumor de que el supuesto gurú se aprovechaba de las devotas jovencitas e incluso mantenía relaciones con una de ellas, aunque ésto nunca se comprobó. Se vuelven, a expensas de George que sentía una fascinación por la cultura de la India.

Cara A

Todas las canciones escritas por Lennon - McCartney, excepto donde se indica.

" Yellow Submarine "
"Only a Northern Song" (Harrison)
"All Together Now"
"Hey Bulldog"
" It's all too much" (Harrison)
"All you need is love"

Cara B

Todas las canciones escritas por George Martin, excepto donde se indica.

"Pepperland"
"Sea of Time"
"Sea of Holes"
"Sea of Monsters"
"March of the Meanies"
"Pepperland Laid Waste"
"Yellow Submarine in Pepperland" (Lennon-McCartney Arr. Martin)

El Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

2007-09-07T11:12:00.000-07:00

Fue el octavo álbum del grupo británico . Es considerado el álbum de rock más influyente de todos los tiempos por muchos críticos; la revista Rolling Stone lo colocó a la cabeza de su lista de "Los Mejores Álbumes" en 2003.

Inmediatamente después de salir a la venta, el álbum se convirtió en una sensación popular. Innovador en todos los sentidos, desde la estructura a las técnicas de grabación, influyó en casi todos los álbumes de los géneros pop y rock que se crearon después.

1. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band
2. With a Little Help from My Friends
3. Lucy in the Sky with Diamonds
4. Getting Better
5. Fixing A Hole
6. She's Leaving Home
7. Being for the Benefit of Mr. Kite!
8. Within You Without You (*)
9. When I'm Sixty-Four
10. Lovely Rita
11. Good Morning Good Morning
12. Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)
13. A Day in the Life

Todas las canciones escritas por John Lennon y Paul McCartney; excepto (*) escrita por George Harrison. Producido por George Martin. 1967.

De la cruz al Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band

2007-09-07T11:07:00.000-07:00

A pesar del éxito el grupo se vio sumido en el escándalo, cuando Lennon expresó la famosa frase «los Beatles eran en ese momento más famosos que Jesucristo» (en realidad lo que Lennon había querido decir era que «El Cristianismo está tan en decadencia que Los Beatles son más famosos que Jesús»).

El concierto de San Francisco el día 29 de agosto de 1966 el último de su carrera, en el que debido a los gritos de los fans la banda no se escuchaba ni siquiera entre ellos. El grupo se dedicaría a trabajar en el estudio y preparar su próximo disco el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. El 1 de junio de 1967 sale a la venta el que sería el primer álbum conceptual y multigenérico en la historia del Rock, que marcaría el nacimiento de la música psicodélica influyendo a numerosas bandas como Pink Floyd, Beach Boys o incluso Dream Theater. La tapa fue un diseño de Peter Blake, era un collage con cien caras de famosos, entre ellos Marilyn Monroe, Bob Dylan y cuatro figuras en cera de la banda en la época de la Beatlemanía. La compañía buscaba no tener conflictos judiciales; se eliminó la imagen de Mahatma Ghandi y la imagen de Jesucristo para no generar conflictos tanto en la India como en la comunidad cristiana.

El 27 de agosto de 1967 muere su mánager Brian Epstein de una sobredosis accidental de estimulantes y barbitúricos (aunque también se ha contemplado la hipótesis del suicidio); tras este fallecimiento, los Beatles nunca levantarán cabeza en el plano económico embarcándose en proyectos que fracasarán y que serán otro motivo a tener en cuenta en la disolución de la banda. También en 1967, bajo una idea de Paul McCartney, produjeron la película para televisión Magical Mystery Tour, con la posterior edición del trabajo discográfico del mismo nombre.....

El Revolver

2007-09-07T11:00:00.000-07:00

El Revolver sale a la venta en agosto del 66 con un sonido generador de paisajes que iban de lo clasicista a lo iconoclasta, de lo simple a lo intrincado, demostrándonos su inmenso talento para componer todo tipo de música.

Cara A

1. Taxman, (Harrison)
2. Eleanor Rigby, (Lennon-McCartney)
3. I'm Only Sleeping, (Lennon-McCartney)
4. Love You To, (Harrison)
5. Here, There, and Everywhere, (Lennon-McCartney)
6. Yellow Submarine, (Lennon-McCartney)
7. She Said She Said, (Lennon-McCartney)

Cara B

1. Good Day Sunshine, (Lennon-McCartney)
2. And Your Bird Can Sing, (Lennon-McCartney)
3. For No One, (Lennon-McCartney)
4. Doctor Robert, (Lennon-McCartney)
5. I Want to Tell You, (Harrison)
6. Got to Get You Into My Life, (Lennon-McCartney)
7. Tomorrow Never Knows, (Lennon-McCartney)

Beatlemanía

2007-08-17T20:04:00.000-07:00

Entre 1963 y 1970 los Beatles sacaron a la venta 13 discos en sólo 7 años, mostrando su capacidad para componer material en cantidad y calidad. Ya en 1963, Please, please me y poco después From me to you y She loves you accederían de nuevo a puestos de honor en las listas británicas. Su primer LP, Please Plea

se Me (1963), grabado íntegramente en un solo día, permaneció 29 semanas en el número 1 y 61 semanas en el top 10, batiendo el record de permanencia de un disco en lo más alto del ranking británico. Luego siguieron con With The Beatles.

Lo que había que hacer a continuación, según Epstein, era invadir el mercado americano. Con gran anticipación publicitaria y con un nuevo single bajo el brazo, el archipopular I Want To Hold Your Hand, los Beatles actuaron en el Teatro Olympia de París, y luego hicieron una gira por Estados Unidos, que comenzó el 7 de febrero de 1964, sólo unos meses después del asesinato del presidente John F. Kennedy.

Elvis Presley, sabiendo de la amenaza que representaban los cuatro Beatles para su posición en las listas de ventas, hizo todo lo posible para impedirles su llegada, sin lograrlo. Alcanzaron el número 1 en los Estados Unidos justo antes de la gira americana de 1964, un país históricamente contrario a los grupos británicos, batiendo records de audiencia en sus actuaciones televisivas (en el Show de Ed Sullivan) y vendiendo millones de discos.

Rodaron su primera película, A Hard Day's Night, dirigida por Richard Lester, consiguiendo muy buenas críticas y fueron comparados con los m

ismísimos hermanos Marx. El disco de la banda sonora de la película A Hard Day's Night y Beatles For Sale fueron lanzados en 1964. Este último es un homenaje a sus ídolos norteamericanos del rock and roll, como Chuck Berry.

En 1965 rodarían otra película: Help!, del mismo director, dando lugar al disco del mismo título, en el que se incluía la canción Yesterday, titulada originalmente por McCartney "Scrambled eggs", George Martin, sabiendo que los otros tres Beatles no habían participado en la canción, le sugirió a Paul que la edite como solista, y éste se negó. También en el 65 editarían otro disco casi fantástico en el que ya se veían aires de cambio en la música, Rubber Soul. En este disco la música de los Beatles es más compleja que todo lo anterior producido por el cuarteto. Grandes melodías, más efectos de sonido y unos Beatles que tenían un máximo de inspiración ¿Las Drogas? Quizás este factor permitió que ellos tuvieran más libertad en la creación y experimentación de la música y este disco fue el nexo entre la beatlemanía y la desinhibición musical que vemos en su próxima etapa, quizás la más rica.

Más información sobre la Beatlemanía: http://www.duiops.net/beatles/etapas/beatmani.html

Love me do

2007-08-15T10:16:00.000-07:00

• Ph: George Harrison, John Lennon,
Ringo Starr, Paul McCartney

Los Beatles fueron rechazados por muchas compañías de discos, como la Decca, que, sin embargo, después contrataría a los Rolling Stones para enmendar su error. Fue George Martin, un joven productor de una subdivisión de EMI, la hasta entonces impopular Parlophone quien les admitió para grabar un primer disco, aunque bajo la condición de emplear a un batería profesional, lugar que por entonces ocupaba Pete Best. Debido a diferencias musicales y el supuesto desinterés de Best con el grupo, los otros Beatles decidieron despedirlo para reemplazarlo por Ringo Starr (nacido Richard Starkey) que era el baterista de The Hurricans. Ringo les prestaba ayuda cuando Best no se sentía motivado para colaborar con la banda.

El resultado fue su primer single, Love Me Do, que alcanzó un buen puesto en las listas de ventas para ser un primer disco, pero que, desde luego, no llegó al número uno de las listas. En esa primera grabación el batería no fue Ringo, quien meramente tocó una pandereta, sino el músico de estudio Andy White. Love Me Do apareció el 5 de Octubre de 1962 y alcanzó el número 17 en las listas. Fué relanzado en 1982, alcanzando en ésta ocasión el número cuatros. En Estados Unidos el sencillo fue número uno en 1964.

Una pálida sombra

2007-08-10T10:31:00.000-07:00

El quinteto no estaba tocando en el Kaiserkeller como se lo habían propuesto, sino más bien en un sucio y triste lugar llamado India Club. Tocaban interminables horas y Bruno Koschmider les daba solamente un lugar donde vivir. Con el tiempo pudieron cumplir su sueño de tocar en el famoso Kaiserkeller. Pero no duró mucho más su relación con Koschmider, ya que al finalizar el contrato fueron a un nuevo club llamado Top Ten. Cuando Bruno se enteró de la "traición" llamó a la policía, que obligó a George a volver a Liverpool debido a que no tenía 18 años ni la documentación necesaria para actuar.

Todos regresaron a Liverpool. Pero una vez que George cumplió 18 años, volvieron a Hamburgo para actuar en el club Top Ten. Después de una de sus actuaciones el grupo fue atacado por una pandilla de Teddy Boys, que provocaron a Sutcliffe (en ese entonces se había sumado al movimiento Beatle) una lesión cerebral, que fue, tiempo después, la causa de su muerte. The Beatles regresaron hacia los 60 a Liverpool, y Stu se quedó en Hamburgo con Astrid Kirchherr, una fotógrafa que habían conocido allí y diseñó los trajes y el peinado de los Fab Four, tan característico de los primeros años. Stuart pensaba dedicarse a la pintura, que le interesaba más que la música. La formación de The Beatles quedó definitivamente consolidada con John en guitarra rítmica, Paul en bajo, George como guitarra líder y Pete Best en batería.

Cuando volvieron a su ciudad natal eran tan populares que un joven que estaba encargado de la sección de discos del negocio familiar de venta de muebles y electrodomésticos (NEMS) fue a verlos tocar. El joven era Brian Epstein, que después de varias idas y vueltas les tomó como manager.

• Ph: Astrid Kirchherr

• Ph: George, Stuart and John (Fotografía tomada por Astrid Kirchherr)

• Ph: Paul, John, Pete & George

• Ph: Stuart Sutcliffe:
bajista de la primera formación de The Beatles, considerado como el 5º Beatle

Stuart Sutcliffe: http://es.wikipedia.org/wiki/Stuart_Sutcliffe
Astrid Kirchherr: http://es.wikipedia.org/wiki/Astrid_Kirchherr
Fotografías tomadas por Astrid: http://beatlesnumber9.com/astrid.html

The Quarry Men

2007-08-07T17:49:00.000-07:00

En las siguientes entradas continuaremos con la biografía del grupo más influyente en el desarrollo del rock como movimiento y medio de expresión.
Esta entrada describe los orígenes del grupo, la evolución en cuanto al nombre, hasta llegar a ser lo que hoy conocemos como The Beatles.

John Lennon había formado muchos grupos antes de los Beatles, pero el que logró tener éxito fue con una banda llamada The Quarry Men, en 1957. Con esta llegó a tocar en pequeños eventos. Es en uno de dichos eventos, efectuado en el patio de una iglesia donde un amigo le presentaría a Paul McCartney. De inmediato se creo una amistad y admiración mutuas, lo que llevaría a Lennon a invitar a McCartney a ingresar al grupo. Luego, al proyecto se suma Geoge Harrison y comienzan así a hacer covers de Buddy Holly, entre otros.

The Quarry Men pasó por muchas etapas antes de transformarse en lo que hoy conocemos como The Beatles. En su inicio se llamaron - "Johnny and the Moondogs", "Long John and the Beatles", "the Silver Beetles" ("los escarabajos de plata", derivado de la sugerencia de Larry Parnes de "Long John and the Silver Beetles.

Hay muchas teorías en cuanto al origen del nombre y de su deletreo inusual. Se acredita generalmente a Lennon, que dijo que el nombre era un juego de palabras de la combinación de los insectos “escarabajos” ("beetles" en el idioma ingles), como referencia a la banda de Buddy Holly, the Crickets ("los grillos" en idioma español) y la palabra “beat” que significa impacto o abatir. Cynthia Lennon sugiere que Lennon salio con el nombre "The Beatles" en “una excedente sesión de tormenta de ideas de reflexión en una mesa llena de cervezas”.

Las canciones más significativas que marcaron esta era pre-beatle son "Ain't she sweet","Cry for a shadow", "Hello, little girl" o "Like dreamers do". Estas dos últimas son originales de Lennon y McCartney respectivamente y dejan observar el futuro exitoso estilo del grupo, aunque carente de la calidad que adquirirían con el tiempo.

Ph: De izquierda a derecha: George Harrison, Paul McCartney, Ken Brown, John Lennon.

The Beatles

2007-07-31T18:54:00.000-07:00

Es casi imposible pensar en los psicodélicos sesenta y setenta sin pensar en hippies, flores, paz, sexo libre, droga y por supuesto los Beatles, sin ellos, nada de lo anterior hubiera existido. Cuatro jóvenes ingleses que con su música movían multitudes, imponían modas, hacían llorar a miles de fans y sin lugar a dudas modificaron para siempre la idiosincrasia de lo que fue el rock and roll hasta el momento.

Nadie como ellos popularizó de tal manera este movimiento, he aquí un breve recorrido por su biografía y los aspectos más importantes que hacen a estos muchachos de Liverpool una parada obligada de cualquiera que se jacte de llevar a este movimiento en las venas …

El grupo estaba compuesto por

John Winston Lennon Stanley, (John Lennon) (Liverpool, 9 de octubre de 1940 - † Nueva York, 8 de diciembre de 1980).
James Paul McCartney, (Paul McCartney) (Liverpool, 18 de junio de 1942)
George Harrison, (George Harrison) (Liverpool, 25 de febrero de 1943 - † Los Ángeles, 29 de noviembre de 2001)
Richard Starkey (Ringo Starr) (Liverpool, 7 de julio de 1940)

Aunque Lennon y McCartney fueron los principales compositores, George Harrison y Ringo Starr hicieron también contribuciones significativas a través de los años. George Martin produjo todos sus álbumes a excepción de Let it be, que fue producido por Phil Spector, con el que todos estaban de acuerdo a excepción de Paul.

A veces se llama el "quinto Beatle" a su manager Brian Epstein (Liverpool,19 de septiembre de 1932 - Londres, 27 de agosto de 1967), otras veces a su productor George Martin que nunca había sido productor de rock, de ahí el sonido tan distintivo. (Londres, 3 de enero de 1926), o al pianista Billy Preston (Houston, Texas, 9 de septiembre de 1946 - Scottsdale, Arizona, 6 de junio de 2006), que acompañó al cuarteto en algunas grabaciones de la película Let it be e incluso a Eric Clapton, quien llego a grabar en sus discos como invitado.

Las invaciones inglesas

2007-07-27T10:42:00.000-07:00

Se denomina Invasión Británica, a un movimiento de los años 60, que se caracterizó por la proliferación de bandas inglesas, fuertemente influenciadas por el Rock and Roll estadounidense y a partir del auge de los Beatles, fueron capaces de elaborar canciones sencillas y extremadamente pegadizas.

Cuando sale a la venta el disco de The Beatles "I Want To Hold Your Hand" a finales de 1963, fue el inicio de una revolución: el grupo visitó América por primera vez y su disco pronto se situó en los primeros puestos de las listas. Además, su presencia en el Show de Ed Sullivan el 9 de febrero de 1964 marcó un récord de telespectadores jamás alcanzado hasta la fecha . Normalmente ese momento suele ser considerado el comienzo de la invasión británica. Los Fab Four pronto se hicieron con el primer puesto de las listas, lo cual abrió el mercado estadounidense a bandas británicas como The Rolling Stones, The Dave Clark Five, The Who, The Animals o The Kinks.

Algunas de las bandas implicadas en este movimiento son:

The Animals

The Beatles

Chad & Jeremy

Cliff Bennett

Dave Berry

The Dave Clark Five

Donovan

Dusty Springfield

Freddie & the Dreamers

Gerry & the Pacemakers

Herman's Hermits

The Hollies

The Kinks

Lulu

Manfred Mann

The Moody Blues

Peter & Gordon

The Rolling Stones

The Searchers

The Shadows

The Small Faces

The Spencer Davis Group

The Tremeloes

The Troggs

The Who

The Yardbirds

The Zombies

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Invasi%C3%B3n_brit%C3%A1nica

Chantilly Lace: El Gran Bopper

2007-07-25T11:52:00.000-07:00

En entradas anteriores hemos nombrado
a dos de los músicos muertos en el accidente de avioneta el 3 de febrero de 1959.
He aquí la última biografía, la del tercer músico fallecido.

Jiles Perry Richardon, o más conocido como The Big Bopper nació en Sabine Pass (Texas) el 24 de octubre de 1930. Jiles acuñó su propio nombre, "The Big Bopper", mientras trabajaba en la estación local KTRM como DJ. El 18 de abril de 1952 The Big Bopper se casó con Adrian Joy Fryon. Juntos, tendrían una hija la cual se llamó Deborah. En mayo de 1957, Jiles estableció un record mundial por continua difusión de trabajar seis días sin parar girando 1821 canciones. Durante su trabajo en KTRM, Jiles decidió escribir unas pocas canciones. Fue descubierto por Harold "Pappy" Daily. En 1957, Jiles lanzó su trabajo más popular, "Chantilly Lace," el cuál fue la tercera canción más escuchada en 1958.

Jiles fue abrumado de ofertas y decidió tomarlas. Su último tour, el Baile De Invierno de 1959 fue programado para sonar en diferentes lugares a través del cercano oeste de los Estados Unidos. The Big Bopper murió a los 28 años (en el accidente nombrado en entradas anteriores), dejando atrás a su esposa embarazada de su segundo hijo, Jay, y un legado que nunca termina. Jay nacería 84 días después de la muerte de su padre. El cuerpo de Jiles fue llevado a Beumont por un avión privado para ser enterrado. Después del funeral, la calle fue copada por fanáticos mirando la procesión de autos yendo hacia el cementerio. Jiles Perry Richardson fue enterrado el 5 de febrero de 1959.

Ph: Mañana del accidente, yacía el cuerpo sin vida de The Big Bopper en la escena del accidente

Fuente: http://en.wikipedia.org/wiki/The_Big_Bopper
Más información: http://www.geocities.com/SunsetStrip/Stage/5867/mainpage.html

La primer gran bestia pop

2007-07-21T14:32:00.000-07:00

• Ph: Buddy Holly and The Crickets

Sin duda alguna Buddy Holly fue la primera gran estrella "Pop".
Fue el primer artista de su época que, sin renunciar a su patrimonio cultural (country) y generacional (rock and roll), marcó un estilo en el que primaban la melodía y los arreglos sobre el ritmo. El esquema clásico, metódicamente replicado por millones de bandas de rock de todo el mundo desde entonces, de dos guitarras + bajo + batería es establecido y popularizado por los Crickets. Además, fue un precursor en el campo de la fusión de las orquestas con los instrumentos amplificados, y en la introducción en el rock de sonidos poco habituales.

Charles Hardin Holley o más conocido como Buddy Holly nació en Texas el 7 de septiembre de 1936 bajo el ceno de una familia en la que había un interés muy grande por la música. A temprana edad ya sabía tocar el violín, el piano y la guitarra. Junto a su amigo Bob Montgomery formaron un dúo con el que llegaron a tocar como teloneros de Presley, Carl Perkins y Johnny Cash y, más tarde, de Bill Haley and the Comets. Su primer single, "Blue Days, Black Nights", aparecería en abril de 1956.

Junto a sus amigos Jerry Allison (batería), Joe.B.Malduin (contrabajo) y al guitarrista Nikki Sullivan, Holley formó un nuevo grupo, The Crickets. Estos se embarcaron en numerosas giras durante las cuales trabaron amistad con muchos de sus colegas más significativos: Chuck Berry, con el que solían jugar a las cartas; Little Richard, que apreciaba la sensibilidad y genio del joven tejano; Eddie Cochran, al que Buddy admiraba por su talento como guitarrista; sin embargo, de todas las estrellas con las que trabajó serían los hermanos Everly (Phil y Don) quienes se transformarían en dos de sus mejores amigos.

La música de Buddy Holly era bastante innovadora para su época.Utilizó instrumentos poco usuales en el rock'n'roll, como la celesta, o las percusiones latinas. Fue un guitarrista influyente, tanto con la guitarra solista como con la rítmica. Muchos de sus temas tienen melodías y armonías bastante más complejas que lo que se había hecho hasta el momento.

Durante el periodo 1957-58 Buddy y los Crickets encadenaron una sucesión de singles históricos que les convirtieron en unos de los artistas más populares de su tiempo: “Peggy Sue, Oh boy!”, “Not fade away", “Everyday”, “Rave on”, “Maybe baby” o “It´s so easy” son algunos de los más de veinte sencillos que colocaron en el top 100 a ambos lados del atlántico.

En otoño de 1958, Holly abandonó a los Crickets y comenzó una carrera en solitario

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/Buddy_Holly

La estrella fugaz

2007-07-21T13:58:00.000-07:00

Richard Steven Valenzuela, o mejor conocido como Ritchie Valens, hijo de una mexicana residida en California, y un norteamericano) fue un “rocker” de lña década delm 50 que popularizó entre el público anglosajón norteamericano la canción "La Bamba", el primer éxito en español entre un público que no era hispanoparlante. Creador de grandes hits como el "Donna" y "Come on Let's Go". La Bamba y Donna en un momento en particular fueron las canciones #1 cuando salieron en toda la costa oeste de los EEUU.

Con solo 17 años y solamente 8 meses de carrera musical ya había alcanzado el estrellato y se había convertido en una de las leyendas vivas del Rock & Roll. Siendo ingresado al salón de la fama del Rock & Roll en el 2001 y habérsele dado una "estrella de la fama" en Hollywood. Se le atribuye como el primer latino en hacer el famoso "cross-over" (cruce al otro lado), así como el padre del Rock & Roll latino, y fue influencia directa para artistas como Chris Montez y Santana. Un dato curioso acerca de este músico es que no hablaba español nativamente, por lo que se tuvo que memorizar la letra de La Bamba en Español.

• Más información: http://es.wikipedia.org/wiki/Ritchie_Valens

El día que la música murió

2007-07-21T13:18:00.000-07:00

El Rock como ningún otro género ha sabido crear mártires de todos los tiempos, a partir de sus excéntricas formas de vida, o sus dudosas y extremas muertes, he aquí un vivo ejemplo de ello.

El 3 de febrero de 1959, los famosísimos compositores y músicos de Rock and Roll, Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper murieron en un accidente de aviación durante la gira que estaban llevando a cabo.

Tomaron una avioneta Beechcraft Bonanza para cuatro pasajeros, que partió aquel 2 de febrero de 1959, con la esperanza de llegar temprano para su próximo concierto y descansar y poder lavar su ropa, ya que el autobús en el cual viajaban hasta el momento tenía unas condiciones tan pésimas que en el medio del frío en donde se encontraban tuvieron que hasta hospitalizar a otros miembros de la banda al congelársele los dedos de los pies. Esta avioneta era pilotada por un joven inexperto a medianoche, en medio de una gran tormenta de nieve. Según se piensa, el piloto no tenía conocimientos suficientes, y desconcertado por la nieve que todo lo cubría, habría equivocado la lectura de los instrumentos, única manera de volar a visibilidad nula, entre nubes y campos absolutamente blancos. Fue así que en lugar de subir, la avioneta en realidad bajó, y se estrelló a las pocas millas del despegue, en un campo de maíz cercano al aeropuerto en el estado de Iowa, muriendo en el acto las 3 estrellas de rock del momento.

De ahí que ese día es conocido como "el día que la música murió", frase creada y popularizada por la canción "American Pie" (también conocida como "The day the music died") de Don McLean.

• Ph: Monumento enalzado a estos tres íconos del género:
Buddy Holly, Ritchie Valens y The Big Bopper.

• Fuente: [http://es.wikipedia.org/wiki/El_d%C3%ADa_que_la_m%C3%BAsica_muri%C3%B3]

El andar del pato

2007-07-18T16:50:00.000-07:00

Ph: Chuck Berry en escenarios haciendo el "andar de pato" (duckwalk)

"JOHNNY BE GOOD"

Probablemente la cancion mas versionada de todos los tiempos, cuyo riff ha sido tocado en algun momento por casi todos los guitarristas electricos del planeta. La biografía de un muchacho de pueblo que podía "tocar una guitarra como si fuera una campana".

Fue elegida como uno de los logros más grandes de la humanidad dentro de la colección de obras culturales que se mandaron en laVoyager I.

La canción también sonó en la película "Regreso al futuro"

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[• Johnny B. Goode - Chuck Berry]

Deep down Louisiana close to New Orleans
Way back up in the woods among the evergreens
There stood a log cabin made of earth and wood
Where lived a country boy named Johnny B. Goode
Who never ever learned to read or write so well
But he could play the guitar just like a ringing a bell

Go go
Go Johnny go
Go
Go Johnny go
Go
Go Johnny go
Go
Go Johnny go
Go
Johnny B. Goode

He used to carry his guitar in a gunny sack
Go sit beneath the tree by the railroad track
Oh, the engineerswould see him sitting in the shade
Strumming with the rhythm that the drivers made
People passing by they would stop and say
Oh my that little country boy could play

Go go
Go Johnny go
Go
Go Johnny go
Go
Go Johnny go
Go
Go Johnny go
Go
Johnny B. Goode

His mother told him "Someday you will be a man,
And you will be the leader of a big old band.
Many people coming from miles around
To hear you play your music when the sun go down
Maybe someday your name will be in lights
Saying Johnny B. Goode tonight."

Go go
Go Johnny go
Go go go Johnny go
Go go go Johnny go
Go go go Johnny go
Go
Johnny B. Goode

Chuck Berry : La guitarra de Missouri

2007-07-18T15:45:00.000-07:00

Siguiendo con los pioneros del sonido rebelde, imposible no citar a Chuck Berry, el polifacético compositor, intérprete y guitarrista negro que conmovió a décadas enteras haciendo un sonido pesado, fusionando estrechamente el rock y el blues. Verlo en escenarios significaba un completo alboroto hormonal, nadie podía dejar de bailar y no reverenciar ese “andar de pato” (duckwalk), pasito que lo caracterizó y que luego años más tarde imitaría Angus Young de AC/DC, alabando la genialidad de la obra de Berry.

Lo dijo John Lennon líder de los Beatles: “Si el rock and roll algún día cambiara de nombre, sin duda ese sería Chuck Berry”.

Sin más, en las líneas posteriores, les dejo la biografía de este guitarrista afroamericano:

Chuck Berry nació bajo el nombre de Charles Edward Anderson Berry, un 18 de octubre de 1926 en Saint Louis, Missouri. Hijo de, Martha, una profesora y su padre, Henry, un contratista y diácono bautista. Es el tercero de seis hermanos. Estudió en la Simmons Grade School y la Sumner High School, esta última la primera escuela de secundaria para negros del oeste de Misisipi, en la que también estudiaría también la cantautora negra Tina Turner.

Berry había estado tocando blues desde sus adolescencia y a principios de 1953, comienza a ganarse un sobresueldo tocando en la "Sir John's Trio" una banda que actuaba en club más popular de Saint Louis. Poco más tarde esta banda cambiaría su nombre al de "Chuck Berry Combo". En la ciudad sólo había otra banda que pudiera competir con la de Berry, la de Ike Turne, otro afamado guitarrista.

En 1955 comienza su carrera hacia el estrellato. En mayo, viaja a Chicago donde conoce a Muddy Waters, otro músico de renombre, quién le sugiere que firme contacto con la Chess Records. Concluidos dichos tramites, lanza en septiembre de ese mismo año "Maybellene". A finales de junio de 1956, su canción “Rock Over Beethoven” alcanzaría el puesto 29. En otoño de 1957 Berry y otras pujantes estrellas del incipiente Rock and Roll se juntaron para tocar en una megagira por los Estados Unidos.

En diciembre de 1959, Berry empieza a tener problemas legales debido a que este contrató una apache menor de edad, para trabajar en Bandstand, un club propio de Berry. Arrestaron a la muchacha acusada de prostitución y a Berry lo acusaron de tráfico de menores para propósitos sexuales. Fue condenado a pagar una multa de 5.000 dólares y a cinco años en prisión. Salió en 1963. En los años 70, viajó durante muchos años con su guitarra Gibson, buscando alguna banda que lo contratara. En 1979 vuelve a tener problemas con la ley, Carter lo culpó de evasión de impuestos. Fue condenado a cuatro meses de cárcel y a 1000 horas de servicio a la comunidad dando conciertos a beneficio.

A finales de los 70 y durante los 80, Berry subsistía a través de conciertos en un bar de Saint Louis, también abrió un restaurante en Wentzville donde durante muchos veranos, Berry dio conciertos de rock. Lo cerró eventualmente al público debido al comportamiento tumultuoso de muchos asistentes.

El documental 'Hail! Hail! Rock 'n' Roll' trata sobre él y un concierto que hizo en 1987 junto a Keith Richards, Eric Clapton, y Julian Lennon, entre otros. Ganó un Grammy en 1984. En 1989 publicó su autobiografía. Y hasta ahora no se han hecho registros de sus trabajos y/o nuevos discos.

•Más información acerca de Ch. B.
[ http://www1.fotolog.com/lizard_queennnn/20922582 ]

• Página oficial:
[ http://www.chuckberry.com/]

El artista excesivo: sus últimos años

2007-07-13T17:40:00.000-07:00

Su afición por las drogas legales (fármacos) se acrecienta en la década de los 70, pasándole factura. Sin embargo, la simultánea con una obsesión contra las drogas ilegales, llegando a ofrecerse como voluntario para la D.E.A. (Drug Enforcement Agency, la agencia policial encargada de la persecución del tráfico y consumo de sustancias no permitidas) en un afán por convertirse en valedor de la pureza de costumbres de la juventud.

Durante los cuatro años siguientes, su salud, debido a los excesos, se fue debilitando cada vez más, hasta que finalmente falleció la madrugada del 16 de agosto de 1977. Un empleado lo encontró muerto en el baño de su dormitorio en su mansión de Graceland, en Memphis, Tennessee. Puesto que se trataba de un personaje público, el forense dictaminó que se trata de una "muerte natural". El acontecimiento impactó a la opinión pública, muchas banderas ondearán a media asta y el propio presidente Jimmy Carter llegará a emitir una nota sobre su muerte declarando al día como duelo nacional.

• Ph: La entrada de la Mansión de Graceland

Tras su fallecimiento, el mito de Elvis Presley, lejos de extinguirse, crece aún más que durante su vida. Su mansión se convierte en un centro de peregrinación (junto con otros lugares emblemáticos como los estudios del Sun Records).

Se intenta robar su cadáver y se reconstruye un sin fin de fabulaciones en torno a él: ha sido secuestrado por extraterrestres, se comunica desde ultratumba, en realidad no ha muerto y se oculta del público con otro rostro y otra identidad.

Millares de personas alrededor del mundo serán sus imitadores, particularmente del Elvis de la última década.

La patética imagen de sus últimos años se reproducirá caleidoscópicamente.

Pasados los años volverá a reverdecer el icono del joven Elvis, el cantante de la voz completa y elegante, creador de movimientos sugestivos, carismático y dotado de una presencia escénica se ha convertido en el símbolo del Rock & Roll.

[¿Puede alguien tener duda de quién fue en verdad el Rey del Rock?]

Fuente: [ http://es.wikipedia.org/wiki/Elvis_Presley ]
Más información: [ http://www.inicia.es/de/masters/ ]
Página oficial del Rey [ http://www.elvis.com/ ]

El camino del exceso

2007-07-13T17:02:00.000-07:00

En 1969, Elvis vuelve a la grabación de discos y a las actuaciones en directo.
Recupera con aquellas el pulso de sus discos iniciales; con estas; se va a forjar una imagen excesiva, convirtiéndose casi en una caricatura de si mismo en sus espectaculares presentaciones en Las Vegas. El abandono por parte de su mujer no altera sus costumbres de mujer no altera sus costumbres de mujeriego impenitente.

La pérdida de su forma física juvenil se disfraza de oropel y relumbrón: en los escenarios se ve a un Rey patilludo, sin tupé, recargado en su vestimenta: anillos, trajes llamativos, amplios cuellos, pecho semidescubierto, dorado, pedrería y recombolescos bordados y en la puesta en escena.

Durante la década de los ‘70, Elvis recorrió los Estados Unidos ofreciendo multitudinarios conciertos. Realizó más de 1000 desde 1970 hasta su muerte. El 14 de enero de 1973 añadió otro hito más a su carrera: un concierto desde Honolulú, presenciado por más de 1.000 millones de telespectadores en 40 países. Aloha From Hawaii fue el primer programa de ocio retransmitido vía satélite.

Aunque han habido, desde 1973, apariciones de cantantes, ya sean solistas, o grupos de rock, en aperturas o clausuras de eventos como los Juegos Olímpicos, la Serie Mundial de Beisbol, los Premios Grammy o, muy especialmente, en los entre-tiempos de las finales de la Copa del Mundo de Fútbol, todos gozando de altísimos ratings, esto no opaca el suceso del show de Hawaii, ya que continúa siendo el único en el cual un cantante o grupo de rock se ha enfrentado a una teleaudiencia global y en vivo, sin otro apoyo, o incentivo, que el de ser la única atracción de un evento televisado por todo el mundo.

Los años de Hollywood

2007-07-13T16:29:00.000-07:00

Durante estos años se, el Rey se concentrará en la actuación en películas producidas en serie y de escasa o nula calidad. Su público debe abandonar el peregrinaje a los locales de concierto y recluirse en la oscuridad de las salas de cine, que proyectaban una imagen artificial, a la par edulcorada y robotizada del artista.

Como culminación del meteórico año de 1956, el 16 de noviembre se estrenó en Nueva York con gran éxito Love me tender, el primer film que protagonizó Elvis Presley, y el Wall Street Journal le dedicó un artículo en el que destacó los 22 millones de dólares que el merchandising asociado a su imagen llevaba recaudados hasta aquel momento.

En los años 60 Presley se dedicó a actuar en películas de mediana calidad, rodando unas tres películas por año, hasta un total de 31. Títulos como It's now or never o Are you lonesome tonight?, Chicas, chicas, chicas (Girls, girls, girls, 1962) y Viva Las Vegas (1964) han sido las más importantes obras de Presley durante esta década.

En marzo de 1957 adquirió la mansión de Graceland, en la ciudad de Memphis, que se convertiría con el tiempo en lugar de peregrinaje para sus incontables admiradores. En 1958, en el cenit de su carrera, fue llamado a filas por el ejército y destinado a Berlín Occidental, donde conoció a Priscilla Ann Beaulieu, con quien contraería matrimonio nueve años después.

• Mansión de Graceland ciudad de Memphis

Sus actores favoritos a los que admiraba y copiaba fueron James Dean y Marlon Brando. El 27 de agosto de 1965, durante la visita de los Beatles en su casa de Bel Air, (California), le comentó a John Lennon con respecto a su próxima película: "Seré un chico de campo que conoce chicas y canta canciones. La última vez que nos alejamos de esa fórmula perdimos dinero". Presley admiraba sinceramente a los Beatles pero, luego, al éstos cambiar su imagen a finales de los años sesenta, los acusó de inducir a la juventud a consumir drogas. En 1964 comenzó el descenso en la hegemonía que ostentaba en el mundo del rock, tanto a nivel de ventas como de popularidad.

El 1 de mayo de 1967 Presley se casó con Priscilla Ann- Beaulieau, con la que tuvo un año después a su hija Lisa Marie Presley. En 1968, volvió al top de los hits parades norteamericanos después de su exitoso 1968 Comeback Special para la televisión. Al año siguiente reafirmó su vuelta a los conciertos en directo en el Hotel Internacional de Las Vegas, Nevada.

El 21 de diciembre de 1970, Elvis visitó al Presidente Richard Nixon en la Casa Blanca donde después de un intercambio de regalos y charlaron sobre la influencia de las drogas en la juventud.

• Fotografías (izq - der) :

1 - Elvis y Priscilla

2- Priscilla, Lisa Marie y Elvis

El ídolo ausente: Servicio militar

2007-07-04T00:00:00.000-07:00

Solo el servicio militar logra interrumpir la carrera de un solo sentido emprendida por el Elvis. Durante 2 años su figura continúa un proceso de glorificación, al retorno del servicio militar se nota a un Rey menos efusivo, dando un vuelco de 180º a nivel lírico, ya no expresaba esa notable sexualidad en sus canciones, sino que sus letras se habían vuelto más comerciales y tranquilas, dejando de lado el público joven, para ampliar su llegada a un público más maduro. Elvis quedará cualificado como un artista apto para su disfrute en familia.

• F: Elvis Presley dando una conferencia de prensa a la vuelta del cumplimiento del servicio militar en Alemania

Entre 1958 y 1960 estuvo ausente de los escenarios para realizar el servicio militar en Alemania. Allí conoció a la que después sería su mujer, Priscilla Ann-Beaulieu. Su regreso al escenario fue espectacular, al aparecer como estrella invitada en el programa de Frank Sinatra con quien interpretó a dúo los temas Love me Tender / Witchcraft.

• F: Priscilla Beaulieu, entonces novia del cantante, esperando su llegada del servicio militar

Como la cadena televisiva ABC consideró el precio demandado por Parker, como muy elevado, fué el propio Frank Sinatra quien la financió. Para éste último y a pesar del elevado monto, la inversión dió resultado, especialmente al final de la semana cuando se anunció que los ratings televisivos del show de Sinatra en que había aparecido Presley habían roto todos los records de teleaudiencia del referido show, el cual fue visto por 40 millones de personas. Presley recibió 125.000 dólares por su actuación, que duró unos diez minutos.

• F: (de izq a der) ChesterConkoin, FrankSinatra, Elvis Presley y GeorgeBagnall

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Presley en el trono: el camino al estrellato

2007-07-01T10:52:00.001-07:00

Elvis se convierte en poco tiempo en un fenómeno de masas, agitándolo todo a su paso. Los medios de comunicación y las campañas por la decencia de la sociedad puritana fomentan su atractivo, convirtiendo su imagen en el paradigma del desenfreno juvenil, la rebeldía frente al mundo adulto y el componente sexual que combinan su físico y sus sugerentes movimientos en escena. Un torrente de voz y un público ansioso y fanático hacen el resto.

Con su primer tema para la RCA, Heartbreak Hotel, consiguió su primer número uno, de los 18 que consiguió en su carrera en Estados Unidos. Su modo de bailar, con sus movimientos pélvicos, resultó escandaloso, aunque entusiasmó a los jóvenes. En algunos programas de televisión, como lo fue durante su tercera aparición en el show de Ed Sullivan, sólo se le enfocó de cintura para arriba. Antes de su ingreso al servicio militar, rompió todos los record de venta, alcanzando 11 #1 seguidos en la lista de sencillos, y 4 #1 en la de los discos de larga duración. Interpretó, asimismo, cuatro películas, todas enormes éxitos de taquilla.

[• Elvis Presley - Heartbreak Hotel]

Well, since my baby left me,

I found a new place to dwell.

It's down at the end of lonely street at Heartbreak Hotel.

You make me so lonely baby,

I get so lonely,

I get so lonely I could die.

And although it's always crowded,

you still can find some room.

Where broken hearted lovers

do cry away their gloom.

You make me so lonely baby,

I get so lonely,

I get so lonely I could die.

Well, the bellhop's tears keep flowin',

and the desk clerk's dressed in black.

Well they been so long on lonely street

They ain't ever gonna look back.

You make me so lonely baby,

I get so lonely,

I get so lonely I could die.

Hey now, if your baby leaves you,

and you got a tale to tell.

Just take a walk down lonely street to Heartbreak Hotel.

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Video: Elvis Presley, en la televisión durante la década del 50 haciendo este clásico: Imperdible!

[ http://www.youtube.com/watch?v=_1Qo1eaWF8c ]

Elvis Presley: Retrato de un Rey

2007-07-01T10:40:00.000-07:00

Elvis Presley es uno de los mayores mitos dentro de la historia de la música.
Un capítulo sin cerrar, de los cuales se teme dar vuelta de página, de hecho es imposible hacerlo, porque la vida y obra de este héroe del rock and roll sin lugar a dudas es de las más influyentes y controversiales dentro de este género. Considerado por sus seguidores como el rey del rock, ha servido de contracultura para miles de jóvenes, los cuales comenzaron a pensar de manera diferente a quienes deberían tomar como ideal de vida norteamericana. Considerado el Rey del Rock por excelencia, en las siguientes líneas gozaremos de los hechos más importantes en la escandalosa vida del modelo a seguir de toda una generación.

Elvis Aaron Presley nació en Tupelo, Mississippi, el 8 de enero de 1935 en el seno de una familia modesta. Hijo de Hijo de Vernon y Gladys Presley, fue fruto de un embarazo de mellizos, aunque su hermano, Jesse Garon Presley, murió al nacer. Elvis tuvo una infancia dura y difícil en Tupelo, hasta que, después de muchas vicisitudes, sus padres y él se mudaron a Memphis en 1948, donde poco a poco consiguieron cierta estabilidad económica. Su padre le compró su primera guitarra al cumplir 10 años ante la exhaustiva insistencia del pequeño.

• Fotografía: (de izq. a der.) Gladys Presley, Elvis Presley, Vernon Presley

Desde niño, le apasionaba por igual la música blues, el gospel, el Doo wop así como la música country y el pop, incluyendo los temas musicales favoritos de su madre, que incluían la música mariachi y la ópera. Su cantante favorito era el tenor Mario Lanza, pero tenía gran predilección por Dean Martin, así como por Arthur Crudup, y todos los cantantes y músicos de lo que se llamaba entonces la música blues rural. Exploró asimismo las raíces musicales indias, ya que Elvis tenía ascendencia Cherokee, por el lado materno.

Cuando Elvis contaba apenas diecinueve años en el año 1954, como regalo de cumpleaños, su madre hace una grabación de dos temas cantados por su hijo. Se contactó con el productor Sam Phillips, propietario de Sun Records, y le presentó el trabajo de Elvis. Sam ni siquiera lo escuchó, pero ante la insistencia de su madre, lo escucha y queda gratamente sorprendido. Entonces decide editarle un single que contenía los temas That's all right y Blue Moon of Kentucky. Este primer intento le abrió las puertas de un programa radiofónico de música country, Louisiana Hayride, con un abanico de emisión que comprendía trece estados, incluídos Memphis.

Muchos consideran que Presley fue el creador del rockabilly, una fusión del countruy y del blues, aunque a la hora de encontrar a la persona responsable por su mayor auge y desarrollo, la mayoría se inclina por Carl Perkins, autor del hit Blue Suede Shoes. Con la edición de su primer tema de este género, That's All Right Mama, de Arthur Crudup, (género que por cierto dejaría en menos de 17 meses para lanzarse sobre otros ritmos cada vez mas sofisticados), creó una de las imágenes más clásicas del rock and roll. Habiendo conquistado la ciudad de Memphis, así como algunos mercados regionales en el sur de los Estados Unidos, en 1955, fue observado por el Coronel Tom Parker quien gestionó, a finales de ese año, su traslado de la pequeña discográfica Sun Records, a la RCA, a cambio de 35.000 dólares, y un Cadillac

para Presley.

¿El Primer Rock?: Bill Halley y sus Cometas

2007-06-30T13:05:00.000-07:00

Bill Halley, llamado en realidad William John Clifton Haley fue un guitarrista, cantante y director de orquesta de rock and roll estadounidense, de los fundadores de la primera etapa del rock and roll. Nació en Highland Park, un barrio de Detroit, el 6 de julio de 1925.

Tras formar parte de bandas de country, alcanzó la fama con la grabación en 1954 de las canciones Rock around the clock, popularizada por la película Semilla de Maldad (R. Brooks, 1955), y Shake, rattle and roll. Estos dos temas, junto a su banda más famosa: "Bill Haley and the Haley's Comets".

En el año 1960 hizo una presentación en el teatro Follies, en el centro de la Ciudad de México, el cual fue todo un éxito en ventas, después siguió su recorrido por el interior de este país, causado sensación en cada concierto que hacía. Después de el éxito que había obtenido en este país, comenzó a grabar simples en español, y a promover el rock and roll a los distintos países vecinos.
A la llegada de los Beatles a Estados Unidos, el éxito de Bill Halley empezó a decaer rotundamente, hasta esos años el había logrado imponer un ritmo llamado “Twist” (un subgénero dentro del rock), y a partir de la “invasión beat – inglesa” el reinado de B.H desapareció por completo, es decir que el twist solo tuvo una vida de dos años.

El mérito recae en que Bill Halley y sus Cometas, comenzaron a tocar música de rock como tres años antes que Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Paul Anka, Buddy Holly, entre otros tantos que han dejado su marca indeleble dentro de la música.

Resulta más que complicado determinar quién fue el “padre” del Rock and Roll, lo que podemos asegurar es que hasta entonces, la manera de visionar la música era bastante dogmática: melodías románticamente dulzonas, letras idílicas, tristes, irrealmente sentimentales, hombres discretos, blancos, maduros detrás del micrófono, tratando de llegar a mujeres jóvenes que sonreían tímidamente. Bill Halley rompió esa dogma, fundó junto a otros tantos un estilo que destrozaba la música antes escuchada.

Y así, como tantos héroes musicales, murió olvidado en Texas, el 9 de febrero de 1981.

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•Para más información acerca del tema:
[ http://ividal.com/joomla/index.php?option=com_content&task=view&id=30&Itemid=61]
[ http://aula.el-mundo.es/aula/noticia.php/2000/02/07/aula1006261248.html ]

Elvis Presley vs. Bill Haley

2007-06-30T12:33:00.000-07:00

A lo largo de los años, desde el nacimiento del rock and roll, se ha querido establecer quién fue el personaje que logró crear un puente entre los blancos y negros (como habremos leído en entradas anteriores, las raíces del rock provienen de géneros musicales con relación estrecha a la música negra)
Solo uno de estos músicos ha sabido llegar a los distintos públicos, logrando masificar sonidos propios de oídos marginados, y trasladarlos al común de la gente, trayendo como consecuencia la revolución musical más grande de todos los tiempos.

• Fotografía: Hill Halley tocando la viola para Elvis Presley

Orígenes del Rock & Roll

2007-06-30T12:29:00.000-07:00

Se puede decir que el rock ha sufrido muchas modificaciones desde sus inicios, ha tenidos ínfimos exponentes, que en sus respectivas décadas han sabido sobrellevar el peso de este ritmo tan rebelde de la mejor manera, convirtiéndose en mitos y dando ese tinte ácido a esta cultura. En las siguientes líneas podemos observar como el término “Rock & Roll” ha evolucionado hasta posicionarse en el trono que hoy lo destaca de entre otros géneros musicales.

Los marineros en siglos pasados comienzan a utilizar dicha denominación para referirse con “rock” a un movimiento hacia atrás y adelante, y “roll” movimiento hacia los costados, ambos con respecto a los barcos, y esto data ya del siglo XVII. Luego se utilizó en relación a la música espiritual negra durante el siglo XIX, siempre con tintes religiosos.

Antes de 1947, la única gente que solía hablar de "rocking" eran los cantantes negros de gospel."Rocking" era un término usado por los afroamericanos para denominar el "secuestro" que experimentaban en determinados eventos religiosos, y el término también hacía referencia al poderoso ritmo que se hallaba en la música que acompañaba dicha experiencia religiosa.

Un significado doble e irónico apareció en 1947 gracias a la canción "Good Rocking Tonight" del cantante de blues Roy Brown en la cual la palabra "rocking" era aparentemente acerca de bailar pero de hecho se trataba de una alusión sutilmente velada al sexo. La versión definitiva de esta canción la hace Presley, en 1954. Estas canciones estaban relegadas a las tiendas de "race music" (el alias que usaba la industria de la música para referirse al rhythm and blues) y eran apenas conocidas por las audiencias blancas.

La frase 'rock and roll' pudo aparecer primero en una versión de Louis delchoto Jordan de "Tamburitza Boogie" grabada en Nueva York en 1950. En 1951, en Cleveland, Ohio, el discjockey Alan Freed comenzó a programar este tipo de música para su audiencia blanca, y es a Freed a quien se atribuye haber acuñado la frase "rock and roll" para describir la música rhythm and blues que programaba por radio. El término, con sus alusiones simultáneas al baile, al sexo y al sonido de la música en sí misma, quedó en uso aún por aquellos que no captaron todos sus significados.

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• Para mayor información acerca del tema

[ http://es.wikipedia.org/wiki/Rock_and_roll ]

¿Qué es el Rock & Roll?

2007-06-25T18:40:00.000-07:00

Aquel género musical tan rebelde que ha modificado para siempre la idiosincrasia de la gente. Existe un antes y un después del surgimiento de este movimiento, a varias décadas de los hechos que han marcado su génesis, he aquí un desarrollo de su historia, sus principales exponentes, y todo lo que el rock significa y significó para el desarrollo de la cultura y una nueva visión del mundo moderno.

El rock and roll es un género musical que fusiona Blues, Boogie woogie, Jazz y Rhythm and blues, tiene características del gospel, y sus raíces derivan de los más diversos estilos del folclore estadounidense. El término «rock and roll» fue utilizado por primera vez por Alan Freed, un locutor de radio en Cleveland, que utilizó el término para titular un su programa: Moondog Rock'n'Roll Party. Durante la década del 50, el término fue utilizado de manera completa, en cambio en años posteriores se utilizó la abreviatura rock para hablar del mismo.

Podemos designar dos momentos claves en el nacimiento del rock and roll, ambos momentos situados en el 1954:

• Se lanza a la venta el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo Bill Haley and the Haley's Comets, especialmente con "Crazy Man Crazy" en el año 1954 y al siguiente su gran éxito "Rock Around The Clock".

• Año en el que Presley editó su primer disco.

El escenario del nacimiento de este género es Estados Unidos, los años dorados de la música, en décadas anteriores ya se habían desarrollado un amplio movimiento de blues, jazz y otros géneros de orígenes indígenas, en los cuales se incorporaban instrumentos propios de las diferentes tribus que habitaban el país. Pero a pesar de tener el mismo escenario, haber fechado el inicio del género rebelde en el mismo año, existe aún la dicotomía entre quien se queda con el trono, si Billy Haley y sus cometas o el enigmático Elvis Presley, que conforme pasan los años, se convierte en uno de los mitos más fervientes dentro de la vida de uno de los ritmos más controversiales de todos los tiempos. Queda abierta a la opinión del lector acerca de quien da inicio a este movimiento, y en entradas siguientes, se podrán disipar todas las dudas.

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Fuente: [ http://es.wikipedia.org/wiki/Rock_and_roll ]

The Soft Parade

2007-06-15T07:17:00.000-07:00

Inauguro este nuevo costado que muestra un mundo de irrealidad donde la poesía y la música se funden para conformar una sola constelación de sentimientos encontrados ...
Todo aquel que esté dispuesto a romper las barreras de la realidad ordinaria está invitado a este festín de almas enfermas.

[ El sudor rezumaba de su brillante piel.
¿Están todos adentro? La ceremonia está a punto de comenzar.
¡Despierta! No puedes recordar dónde fue. ¿Se había detenido este sueño?]

(( J.M + 1943 - 1971 +))